Шедевры классической музыки

09.10.2020, 14:49:55

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

В этой теме произведения классической музыки и их описание

Бах- Органная токката и фуга

Бах- Шутка

Бах Хорошо темперированный клавир

Бетховен- Лунная соната

Вагнер Р- Полёт валькирий

Вивальди А- Времена года

Гендель- Sarabanda

Дворжак А- Симфония № 9

ЗУППЕ Ф- Лёгкая кавалерия
Кармина Бурана

Лист Ф "Грезы любви"

Моцарт В.А- Симфония №40

Моцарт В А «Турецкий марш»

Свиридов Г- Вальс

Чайковский П.И. Балет "Спящая красавица"

Чайковский П.И- Щелкунчик

Чайковский П.И- Времена года

Шопен Фантазия- экспромт

Шостакович Д.Д- Ленинградская симфония

Штраус И- Вальсы

Штраус И- Летучая мышь

Шуберт Ф «Серенада»

Изменено 30.01.2021, 09:47:57 пользователем Ульф
Улучшение шапки темы.

09.10.2020, 15:15:21

Д.Д. Шостакович «Ленинградская симфония»

Седьмая симфония Шостаковича (Ленинградская) – это великое произведение, отражающее не только волю к победе, но и непреодолимую силу духа советского народа. Музыка представляет собой хронику военных лет, в каждом звуке слышен след истории. Грандиозная по масштабу композиция подарила надежду и веру не только людям, находящимся в блокадном Ленинграде, но и всему Советскому народу.

История создания «Ленинградской симфонии»

Война пробудила в Шостаковиче желание закончить произведение и привести его к торжествующему и победному финалу. Композитор решил использовать ранее начатую пассакалью в симфонии, она стала большим эпизодом, который строился на вариациях, и заменял разработку. Летом 1941 года первая часть была полностью готова. Тогда композитор начал работу над средними частями, которые были закончены композитором еще до эвакуации из Ленинграда.

Автор вспоминал о собственной работе над произведением: «Я писал ее быстрее, чем предыдущие произведения. Я не мог поступить по-другому, и не сочинять ее. Вокруг шла страшная война. Я всего лишь хотел запечатлеть образ нашей страны, которая так отчаянно сражается в собственной музыке. В первый день войны я уже принялся за работу. Тогда я проживал в консерватории, как и многие мои знакомые музыканты. Я являлся бойцом противовоздушной обороны. Я не спал, и не ел и отрывался от сочинения только, когда дежурил или при возникновении воздушных тревог».

Четвертая часть давалась сложнее всего, так как должна была являться торжеством добра над злом. Композитор ощущал тревогу, война очень серьезно повлияла на его моральное состояние. Его мать и сестра не были эвакуированы из города, и Шостакович очень переживал за них. Боль терзала его душу, он не мог ни о чем думать. Рядом не было никого, кто мог бы вдохновлять его на героический финал произведения, но, тем не менее, композитор собрался духом и завершил произведение в самом оптимистичном духе. За несколько дней до наступления 1942 года, произведение было полностью сочинено.

Исполнение симфонии №7

Впервые произведение было исполнено в Куйбышеве весной 1942. Дирижировал премьерой Самуил Самосуд. Примечательно, что на исполнение в небольшой город приехали корреспонденты из разных стран. Оценка слушателей была дана более чем высокая, сразу несколько стран захотели исполнить симфонию в известнейших филармониях мира, стали поступать просьбы об отправке партитуры. Право первым исполнить сочинение за пределами страны, было поручено знаменитому дирижеру Тосканини. Летом 1942 года произведение было исполнено в Нью-Йорке и имело огромный успех. Музыка разлетелась по всему миру.

Но ни одно исполнение на западных сценах не могло сравниться с масштабами премьеры в блокадном Ленинграде. 9 августа 1942 года, в день, когда по плану Гитлера город должен был пасть от блокады, прозвучала музыка Шостаковича. Все четыре части были проиграны в исполнении дирижера Карла Элиасберга. Произведение звучало в каждом доме, на улицах, так как трансляция велась по радио и через уличные громкоговорители. Немцы были в изумлении – это был настоящий подвиг, показывающий силу Советского народа.

Интересные факты о симфонии № 7 Шостаковича

Название «Ленинградская» произведение получило от знаменитой поэтессы Анны Ахматовой.

С момента написания Симфония №7 Шостаковича стала одним из самых политизированных произведений за всю историю классической музыки. Так, дата премьеры симфонического произведения в Ленинграде была выбрана не случайно. Полная расправа над городом, построенным Петром Великим, была по плану немцев назначена именно на девятое августа. Главнокомандующим раздавались специальные пригласительные билеты в популярный в то время ресторан «Астория». Они хотели праздновать победу над осажденными в городе. Билеты на премьеру симфонии раздавались блокадникам бесплатно. Немцы обо всем знали и стали невольными слушателями произведения. В день премьеры стало понятно, кто победит в битве за город.

В день премьеры весь город наполнялся музыкой Шостаковича. Симфония транслировалась по радио, а также из городских уличных громкоговорителей. Люди слушали и не могли скрыть собственные эмоции. Многие плакали от переполнения чувством гордости за страну.

Музыка первой части симфонии стала основой балета под названием «Ленинградская симфония».

Знаменитый писатель Алексей Толстой написал статью о «Ленинградской» симфонии, в которой не только обозначил сочинение, как торжество мысли о человеческом в человеке, но и разобрал произведение с музыкальной точки зрения.

Большинство музыкантов вывезли из города еще вначале блокады, поэтому возникли сложности в том, чтобы собрать целый оркестр. Но все-таки он был собран, и произведение разучено буквально за несколько недель. Дирижировал ленинградской премьерой известный дирижер немецкого происхождения Элиасберг. Таким образом, подчеркивалось, что вне зависимости от национальной принадлежности каждый человек стремится к миру.

Симфонию можно услышать в знаменитой компьютерной игре под названием «Антанта».

Поэт и друг Александр Петрович Межиров посвятил данному произведению стихи.

Один из немцев после победы СССР над нацисткой Германией признался: «Именно в день премьеры «Ленинградской» симфонии, мы поняли, что проиграем не только битву, но и всю войну. Тогда мы почувствовали силу русского народа, которая могла преодолеть все, и голод и смерть.

Сам Шостакович хотел, чтобы симфония в Ленинграде была исполнена его любимым оркестром Ленинградской филармонии, которым управлял гениальный Мравинский. Но подобного не могло произойти, так как оркестр находился в Новосибирске, перевоз музыкантов стал бы слишком затруднителен и мог привести к трагедии, так как город находился в блокаде, поэтому оркестр пришлось сформировать из людей, находившихся в городе. Многие были музыкантами военных оркестров, многие были приглашены из соседних городов, но в итоге оркестр был собран и исполнил произведение.

Во время исполнения симфонии была успешно проведена секретная операция «Шквал». Позже участник данной операции напишет стихотворение, посвященное Шостаковичу и самой операции.

Сохранилась рецензия журналиста из английского журнала «Time», которого специально отправили в СССР на премьеру в Куйбышеве. Корреспондент тогда написал, что произведение наполнено необычайной нервозностью, он отметил яркость и выразительность мелодий. По его мнению, симфония обязательно должна была прозвучать в Великобритании и по всему миру.

Музыка связана с еще одним военным событием, которое произошло уже в наши дни. 21 августа 2008 года произведение было исполнено в Цхинвале. Дирижировал симфонией один из лучших дирижеров современности Валерий Гергиев. Исполнение транслировалось на ведущих каналах России, трансляция также была проведена на радиостанциях.

На здании Санкт-Петербургской филармонии можно увидеть мемориальную доску, посвященную премьере симфонии.

После подписания капитуляции в одном из новостных выпусков в Европе репортер сказал: «Разве можно победить страну, в которой во время столь ужасных военных действий, блокад и смерти, разрушений и голода люди умудряются написать столь сильное произведение и исполнить его в блокадном городе? Мне, думается, что нет. Это неповторимый подвиг».

Фильмы и сериалы, в которых можно услышать фрагменты знаменитейшего сочинения ХХ века: «1871» (1990); «Военно-полевой роман» (1983); «Ленинградская симфония» (1958).

САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКАЯ ГОСУДАРСТВЕННАЯ АКАДЕМИЧЕСКАЯ ФИЛАРМОНИЯ ИМ. Д.Д. ШОСТАКОВИЧА

«Ленинградская симфония» Дмитрия Дмитриевича Шостаковича является грандиозным произведением, воспевающим силу и непобедимость советского народа. Это не просто сочинение, это история, рассказывающая о подвиге, о победе добра над злом. И пока торжественно звучит седьмая симфония Шостаковича, весь мир будет помнить о победе над фашизмом, и о том, сколько людей положили жизни, чтобы мы сегодня имели светлое небо над головой.

09.10.2020, 15:48:51

История создания

Музыковеды и исследователи не имеют единого мнения, касающегося даты сочинения. Одни утверждают, что цикл для органа был создан в раннем творческом периоде, другие, что за год до смерти. Условно датой написания считают период от 1701 до 1740 годов.

Установить точную дату не получилось, так как оригинальные ноты не сохранились для последующего поколения. Единственная рукопись, дошедшая в целости и невредимости – это переписанный вариант 12-летним Иоганнесом Рингком, учеником Иоганна Питера Келлнера, который в собственную очередь послушно учился полифоническому мастерству у великого Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Опубликована нотная запись была лишь спустя век после написания, а именно в 1830 году. Популярность к произведению пришла благодаря старанию знаменитого музыканта и композитора Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , который почитал музыку Баха и занимался ее активной пропагандой.

Новый виток популярности Токката и фуга получила благодаря известному мультипликатору Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . В 1940 году он использовал музыку в мультипликационном фильме «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. », чем заслужил огромное количество положительных рецензий.

Сегодня цикл для органа считается вершиной органного творчества. Чтобы исполнить произведение необходимо обладать виртуозной техникой и блестящим мастерством во владении органом.

Интересные факты

Для широкой аудитории произведение открыл известный композитор и популяризатор барочной музыки Феликс Мендельсон. Именно благодаря ему публика смогла оценить великолепные произведения забытого всеми Баха.
Многие музыковеды оспаривают авторство Баха, считая, что приемы, использованные для развития полифонического склада, не характерны для творчества композитора эпохи барокко. Так, достаточно редко Бах использовал параллельные октавы и субдоминатновый ответ в фуге.
Произведение могло не дойти до потомков, если бы не органист и композитор Иоганнес Рингк. Оригинальная рукопись, к сожалению, не сохранилась. Существует версия, что Иоганнесу Рингку она досталась от ученика Баха Келлнера.
Тональность ре минор в символики музыки композитора является олицетворением страдания и искупления. В данной тональности Иоганн Себастьян написал еще один цикл Токкаты и фуги под номером BWV 538.

Содержание Органной токкаты и фуги Баха

Цикл из токкаты и фуги поражает единством и целостностью мысли. Эмоционально насыщенная музыка потрясает неисчерпаемой глубиной с первых тактов и держит слушателя в напряжении до последнего финального аккорда. В этом и заключается мастерство Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , умеющего создавать единую тематическую линию, развивающуюся и не угасающую в течение 10 минут. Композиция имеет арочную структуру, так, мотив, который был изложен во вступлении в видоизмененном варианте предстает перед слушателем в коде фуги, замыкая цикл и делая его логически завершенным.

Фуга тематически продолжает развивать музыкальный материал токкаты, но имеет более чёткую и ясную структуру. Фуга состоит из трех разделов:

В экспозиционном разделе тема фуги проводится поочередно в трех голосах. Стоит отметить, что ответ, не характерен для творчества Баха и написан в тональности субдоминанты. Обычно ответ пишется в доминантовой тональности.
Средний раздел имеет функцию тонального развития, так музыкальный материал транспонируется в далекие тональности, что создает внутреннее напряжение и позволяет выразить драматичность и в некоторой степени трагедийности музыки.
Заключительный раздел утверждает не только основную тональность, но и основную мысль композиции.

Единство цикла достигается благодаря импровизационному складу фуги, ее живости и стремительности. Некоторые исследователи усматривают, что тональность ре минор характерна для Баха, как Страдание и Искупление. В данном случае носителем идеи страдания является токката с ее драматическими и пафосными возгласами. Фуга же на некоторое время снимает напряжение, созданное в токкате, что характеризует музыку как искупление грехов.

Необходимо учитывать, что музыке Иоганна Себастьяна Баха религиозность не чужда, а наоборот, характерна, ведь он жил в эпоху барокко, во времена, когда музыка являлась священным ремеслом. Подчеркивает религиозный характер и монументальный и величественный тембр органа. Массивный инструмент является королем среди клавишных. Орган – это единственный инструмент, чье звучание сравнивается с божественным и не запрещается при церковных католических литургиях.

Изменено 09.10.2020, 17:27:05 пользователем Skipper_SPb
Корректировка шрифта на более читабельный.

11.10.2020, 08:14:54

А. Вивальди «Времена года»

Пожалуй, одним из самых популярных музыкальных произведений в мире является цикл из 4-х концертов Антонио Вивальди - «Времена года», которые композитор написал в 1723 году для солирующей скрипки и оркестра. Они по-своему уникальны, в каждом произведении удивительным образом слились блестящая виртуозность и чарующая кантилена. Вивальди сопроводил концерты сонетами, но, увы, сегодня при исполнении мы их не слышим, они практически никогда не зачитываются. Кто автор этих слов – до сих пор остается загадкой. Предполагается, что сонеты написал сам композитор.

История создания

1725 год был ознаменован выходом в свет одного из самых значимых сборников композитора – восьмого опуса, который он озаглавил как «Опыт гармонии и изобретения». В него Вивальди включил 12 виртуозных скрипичных концертов, первые четыре из которых носят название «Весна», «Лето», «Осень» и «Зима». Сегодняшняя исполнительская практика объединила эти сочинения в цикл «Времена года», однако в оригинальном варианте этого заголовка нет.

Считается, что идея воплотить в музыке различные состояния природы возникла у А. Вивальди во время его путешествия по Италии. Свою первую большую поездку он совершил в 1713 году, когда был назначен главным композитором Сиротского приюта для девочек. Маэстро взял отпуск на месяц и отправляется в Виченце, чтобы поставить там свою оперу «Оттон на вилле». Это событие стало отправной вехой для его творческой биографии – с этого времени он погрузился в работу над оперными творениями и с удовольствием принимал множество заказов на спектакли, не забывая при этом посещать самые разные города родной страны. Путешествовал он на популярных в то время почтовых дилижансах. Вот именно тогда, по утверждениям биографов, наблюдая из окошка за миром живой природы и вслушиваясь в цокот копыт и стук колес, он и задумал создать свои гениальные скрипичные концерты.

Некоторые историки полагают, что концерты были написаны в 1723-м, другие же более вероятным называют 1725 год – именно он и значится во многих авторитетных справочных изданиях.

Интересные факты

Исследователи обратили внимание на то, что найденные рукописи Вивальди ощутимо отличаются от печатных изданий. Внимательно изучив их, они пришли к выводу, что эти отличия внес сам композитор. Все дело в том, что он сам лично готовил все сочинения к изданию, но никогда не копировал их точно. Переписывая текст для издательства, он вносил в него множество изменений, а вот свой вариант оставлял прежним.

Вивальди один раз использовал музыку Allegro первого концерта в одной из своих опер, созданных в 1726 году. Называлась она «Дорилла в долине Темпи».

Одним из самых страстных почитателей этой музыки был французский король Людовик XV. Специально для него придворные даже поставили спектакль на музыку «Весны», желая порадовать своего властителя.

Фрагменты «Времен года» сегодня часто звучат на больших экранах. Так, их можно услышать в сериалах «Анатомия Грей», «Теория большого взрыва», фильмах «Философия будуара маркиза де Сада», «1+1», «По следам Вивальди», «Завтра была война» и мультфильме «Симпсоны».

Музыку этих концертов неоднократно использовали для своих постановок хореографы - Ролан Пети, Анжелен Прельжокаж, Джеймс Куделка, Мауро Бигонцетти.

Диски с записью этих произведений, сделанной 1989 году Найджелом Кеннеди и английским камерным оркестром, побили все рекорды по продажам – их было куплено более двух миллионов.

Стефан Ламбьель победил на чемпионате мира по фигурному катанию 2006 года, выполнив свою произвольную программу под музыку из «Времен года».

«Весна» была включена в образцы музыки Windows 3.0.

Содержание «Времен года» Вивальди

Любопытно, но все сонеты очень четко соответствуют форме концертов. Этот факт привел в некоторое замешательство многих исследователей. Внимательно сопоставив стихотворные строки и музыкальную ткань, они пришли к выводу, что изначально все же была написала музыка, а стихи уже писались непосредственно на нее.

Во всех четырех барочных концертах композитор достигает высот изобразительности. Так, в «Весне» перед слушателями разворачивается грандиозная картина ликования, которая вызвана приходом тепла и пробуждением природы. В музыке легко угадывается пение птиц, журчание ручья, раскаты грома, шелест листвы и даже лай собаки. В «Лете» Вивальди так же блестяще удается воплотить те состояния, которые так хорошо знакомы каждому человеку, изнывающему от зноя –лень и истома. Но вскоре они сменяются оцепенением и страхом, возникающим от ледяных порывов ветра и разбушевавшейся грозы. В «Осени» маэстро приглашает всех на праздник урожая и мастерски воссоздает все то, что там происходит: скрипач-солист своими пассажами «разливает» по бокалам вино, после чего захмелевшие крестьяне неуверенной походкой и слегка заикаясь, расходятся по домам. Деревня погружается в сон, а утром все отправляются на охоту – музыка живописно «рисует» картину скачки, игру на охотничьих рогах и меткие выстрелы. Очень ярко дана характеристика и зимнему времени года в последнем концерте. В нем можно услышать и стук зубов от холода, и вой вьюги, и топот ног, помогающий согреться в лютый мороз.

Интересно, но содержание всех частей исследователи не ограничивают только лишь природным сюжетом. С этими четырьмя концертами ассоциируют и четыре фазы человеческой жизни – детство, юность, зрелость и старость. В пользу такой трактовки говорит и тот факт, что в «Зиме» композитор оставил намек на последний круг ада, описанный Данте Алигьери в «Божественной комедии». Помимо этого, «Времена года» соотносят и с четырьмя регионами Италии, расположенными по сторонам света – восходу соответствует Венеция, полудню – Неаполь, вечеру – Рим, ну а полуночи– Болонья. Однако до сих пор есть мнение, что это не все подтексты, которые можно найти в музыке. В полной мере их могли понять только слушатели-современники.

Музыка из концертов А. Вивальди «Времена года» в кино

«Весну» можно услышать в фильмах: "Начинающие" (2010), "Календарь" (1993), "Флаббер" (1997) ,"Бильярдная братия" (2016), "Близко к сердцу" (1996), "Рапсодия Майами" (1995), "Шпионские игры" (2001), "Вид на убийство" (1985), "Голограмма для короля" (2016) и в новом музыкальном мультфильме Гарта Дженнингса "Зверопой" (2016).

«Лето» звучит в кинолентах: "Жилец" (1990) и "История с ожерельем" (2001).

Музыку из «Осени» можно найти в фильмах: "Выход к раю" (1994), "Сестры Бэнгер" (2002) и "Вид на убийство" (1985).

«Зима» встречается в кинофильмах: "Бильярдная братия" (2016), "Голограмма для короля" (2016), "Жестяной кубок" (1996), "Другая сестра" (1999) и триллере "Участь Салема" (2004).

23.10.2020, 20:15:58

В.А. Моцарт симфония №40

Одно из самых пронзительных и известных инструментальных произведений, сокровище классической музыки – симфония №40 Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Она входит в симфонический триптих, написанный на одном дыхании летом 1788 года. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , 40 и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Симфонии воплощают зрелое музыкальное мышление композитора, они одновременно продолжают традиции Баха и Генделя и предвосхищают душевный лиризм романтиков.

Симфония №40 одно из самых непостижимых творений, и в то же время понятна на каком-то личном уровне каждому. Она вмещает глубокую, развитую оперную драматургию и тонкий психологизм, присущий моцартовскому языку, мотив народного чешского танца и утонченный ученый стиль.

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , лучший друг Моцарта, его старший товарищ, поддерживающий во всем, так отзывался об эмоциональности музыки Вольфганга: «Он так просвещен в сфере человеческих чувств, что создается впечатление, будто он – создатель их, а люди потом только освоили чувствование».

Историю создания Симфонии №40 Моцарта и содержание этого произведения читайте на нашей странице.

История создания

История не сохранила документы, из которых можно было бы судить об идее создания всех 3-х симфоний, вышедших из-под пера Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. тем летом. Они писались не на заказ. Вероятно, автор планировал исполнять их осенью и зимой во время так называемых «Академий». В этот период жизни композитор уже очень остро испытывал нужду и рассчитывал заработать на концертах «по подписке». Однако мечтам не суждено было сбыться, концерты так и не были даны, а симфонии – исполнены при жизни автора.

Все они были написаны в самые сжатые сроки, примечательно время работы над ними – лето. Ученики разъехались, Констанца в Бадене. Не сдерживаемый рамками заказа, Вольфганг может творить по своему желанию, воплощая любой художественный замысел.

И Моцарт, как истинный новатор, отнесся к этой свободе выбора с должным уважением. Сам по себе жанр симфонии прошел путь от небольшой музыкальной заставки, призванной подсказать слушателям, что опера начинается, и пора перестать разговаривать, до отдельного оркестрового произведения.

Работая над симфонией Соль-минор, Моцарт значительно расширяет драматургические границы жанра. Отец, Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , с детства внушал, что в основе любого произведения должен стоять высокий замысел, идея, техника вторична, но без нее и вся концепция не стоит и гроша ломанного. В этой симфонии Вольфганг впервые позволяет себе общаться со слушателем, он искренне повествует «без лишних слов» и даже где-то интимно исповедуется. Такая манера в корне отличалась от холодной концертности и академичности, принятой в то время и понятной тогдашней публике.

По-настоящему эту работу оценили только в XIX веке, когда во всю уже исполнялись симфонии Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , когда тонкий романтизм Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. стал привычным.

Выбор минорной Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , отказ о медленной вступительной части сразу уводят от развлекательного жанра в область неизведанного. В ней нет торжественности, ощущения праздника (в оркестре нет Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ), «массовости», несмотря на оркестровое звучание. Полная тревожной смены настроений и тем, контрастов и слияний, симфония рассказывает о глубоких личных переживаниях человека, поэтому неизменно находит отклик в душе каждого слушателя. При этом остается общий деликатный и галантный стиль, соответствующий тому веку.

Незадолго до смерти, через 3 года после создания, Моцарт внес в партитуру изменения, введя Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в оркестровый состав и немного отредактировав партию Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. .

Современные обработки

Наиболее близкими к оригинальной трактовке считают исполнение симфонии g-moll таких дирижеров, как Тревор Пиннок, Кристофер Хогвуд, Марк Минковский, Джон Элиот Гардинер, Роджер Норрингтон, Николаус Арнонкур.

Содержание

Точное количество написанных Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. симфоний установить нельзя, многие из них, написанные в юношеские годы, утеряны навсегда (приблизительное число около 50). Но в миноре звучит только Сороковая (и еще одна, №25, в этой же тональности).

Симфония имеет традиционную для того времени 4-х частную форму, однако у нее отсутствует вступление, она начинается сразу с главной партии, что совершенно не характерно для канона того времени. Мелодия главной партии – наиболее популярный мотив во всем мире, своего рода визитная карточка композитора. Побочная партия, вопреки традициям, не выступает резким контрастом, но звучит более томно, загадочно и светло (благодаря мажору). Сонатное allegro первой части получает почти сквозное развитие: солирующие Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в главной партии, ритмичность связующей, небольшое просветление в исполнении деревянных духовых (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , кларнеты) побочной партии, все это получает яркое развитие и к заключительной партии прорисовывается конфликт, который в разработке только усиливается нарастанием напряжения. Реприза не дает разрешения этого конфликта, даже побочная партия приобретает минорный характер главной. Общее звучание становится даже мрачным, напоминания крушение надежд, несбыточность порывов, безутешность страданий.

Вторая часть, словно затишье после бури, исполняется в неторопливом темпе (andante), спокойно-созерцательного характера. Наступает умиротворение, мелодия становится напевной, контрастов уже нет. Звучание символизирует свет и разум. Общая форма части – вновь сонатная, но за счет отсутствия противопоставления ведущих тем ощущается как сквозное развитие. Музыкальная ткань, включая несколько смысловых поворотов, непрерывно развивается, достигая сладостно-мечтательной кульминации в разработке и утверждения в репризе. Некоторые короткие фразы-вдохи похожи на пасторальный рисунок природы.

Несмотря на название 3-й части – Menuetto («Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. »), это совсем не танец. Трехдольный размер, скорее, подчеркивает маршевость и суровость звучания. Жесткое настойчивое повторение ритмической фигуры внушает тревогу и страх. Словно непреодолимая сверхсила, холодная и бездушная, грозит карой.

Тема трио уводит от зловещих угроз менуэта, и в даже в какой-то степени приближается по характеру к легкому танцевальному менуэту. Мелодия, звучащая в соль-мажоре, светлая, солнечная, теплая. Ее оттеняют крайние суровые части, придавая еще больше выразительности этим контрастом.

Возврат в соль-минор словно возвращает к настоящему, отрывает от грез, вырывает из упоительного сна и подготавливает драматический финал симфонии.

Финальная 4-я часть («Allegro assai») написана в сонатной форме. Абсолютное преобладание главной темы, исполняемой в быстром темпе, словно сметает на своем пути возникающие тут и там мелодии и фразы связующей, побочной тем. Разработка получает бурное, стремительное развитие. Энергичный характер музыки стремится к драматической кульминации всего произведения. Яркий контраст между темами, полифоническое и гармоническое развитие, переклички между инструментами – все безудержным потоком несется к неминуемому финалу.

Это драматургическое развитие образов на протяжении всего произведения – характерная черта Моцарта, отличающая его симфонизм.

Гений Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в этой симфонии воплотился и в то же время стал бессмертным. Поистине не найдется другой симфонии, которая могла бы сравниться в популярности с этой. Подобно улыбке Джоконды, простота ее скрывает слишком много тайн, разгадывать которые человечество может веками. Соприкасаясь с такими произведениями, думаешь, что сам Бог ведет беседу с человеком через талант своего избранника.

Изменено 23.10.2020, 20:23:05 пользователем Skipper_SPb

24.10.2020, 17:00:50

Симфония № 9 ми минор «Из Нового Света», соч. 95, B. 178 (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Z nového světa), часто называемая просто симфонией Нового Света — последняя симфония Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Была написана в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. во время пребывания композитора в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и основывается на национальной музыке этой страны. Она является самой известной его симфонией и принадлежит к наиболее часто исполняемым произведениям мирового репертуара. Премьера состоялась 15 декабря 1893 года^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.} в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. как № 5.

История создания и роль национальной музыки

Работавший в Америке в 1892—1895 годах Дворжак живо интересовался Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ) и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. музыкой. Он писал:

Я убежден, что будущее музыки этой страны до́лжно искать в том, что зовётся негритянскими мелодиями. Они могут стать основой для серьёзной и самобытной композиционной школы Соединённых штатов. Эти прекрасные разнообразные мелодии порождены землёй. Это народные песни Америки, и ваши композиторы должны обратиться к ним^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Симфония была заказана Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и исполнена им впервые 16 декабря 1893 года в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , дирижировал Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Публика встретила новое сочинение с огромным восторгом, композитору приходилось после каждой части вставать и кланяться.

Днём ранее (15 декабря) в «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. » была опубликована статья Дворжака, где он разъяснял, какое место занимает индейская музыка в его симфонии:

Я не использовал напрямую никаких [индейских] мелодий. Я просто создал свои темы, основываясь на особенностях индейской музыки, и, используя эти темы как исходный материал, развил их всеми силами современных ритмов, Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и оркестровки.

В этой же статье Дворжак писал, что считает вторую часть симфонии «наброском или этюдом к другой работе, кантате или опере … которая будет основываться на Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ». Этого произведения Дворжак так и не создал. Он также писал, что третья часть — скерцо — «написана под впечатлением от сцены пира в „Гайавате“, где индейцы танцуют».

Что интересно, музыка, которая теперь воспринимается как классический вариант негритянского Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , могла быть написана Дворжаком, чтобы создать соответствующее впечатление. В газетном интервью 1893 года можно прочитать:

«Я обнаружил, что музыка негров и индейцев почти что совсем одинакова», «музыка этих двух рас породила замечательное сходство с музыкой Шотландии»^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Большинство исследователей сходятся на том, что композитор имеет в виду Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , типичную для музыкальных традиций всех этих народов^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

В опубликованной в 2008 году статье в «Хронике высшего образования» видный музыковед Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. утверждает, что негритянские Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. оказали очень большое влияние на музыку девятой симфонии. Он цитирует интервью 1893 года с Дворжаком в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. : «В негритянских мелодиях Америки я нахожу все, что нужно для великой и достойной уважения музыкальной школы»^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Но несмотря на всё это, как правило, всё-таки считается, что, как и другие сочинения Дворжака, эта симфония имеет более общего с народной музыкой Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , чем Соединённых штатов. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. считал, что эта музыка действительно полинациональна в самых своих основах^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Во время миссии «Аполлона-11» Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. взял запись симфонии с собой на Луну.

Изменено 24.10.2020, 17:01:01 пользователем Хоттабыч

04.11.2020, 17:45:54

Рихард Вагнер «Полёт валькирий»

Рихард Вагнер – великий немецкий композитор, чьё реформаторское творчество оказало значительное влияние на дальнейшее развитие музыкального искусства. Выдающийся маэстро оставил потомкам богатое наследие, включающее четырнадцать замечательных опер и множество других сочинений в самых разных музыкальных жанрах. Однако среди творений Вагнера есть одно произведение, которое, пожалуй, хорошо известно не только страстным любителям классической музыки. Речь идёт о «Полёте валькирий». Его популярность в нынешнее время настолько высока, что очаровывающую, завораживающую и даже немного пугающую музыку этого гениального сочинения Вагнера наверняка хоть раз в жизни слышал каждый человек. Изначально «Полёт валькирий» был задуман композитором не как самостоятельная композиция, а как вступление к третьему акту оперы «Валькирия», входящей в знаменитую тетралогию «Кольцо Нибелунга».

История

Поскольку «Полёт валькирий» является вступлением к последнему действию оперы «Валькирия», то, вне всякого сомнения, что истории их создания тесно взаимосвязаны.

В середине тридцатых годов, после окончания обучения в Лейпцигском университете, Рихард Вагнер, стремясь постигнуть основы философского понимания бытия, помимо усиленного занятия композиторским творчеством, начинает углублённо изучать древние германские мифы и легенды. В этих истоках народной мудрости он старается найти ответы на множество возникающих у него вопросов, вероятно поэтому именно древние сказания легли в основу его выдающихся опер, написанных в сороковые годы: «Летучий голландец», «Тангейзер» и «Лоэнгрин». Не останавливаясь на достигнутом, композитор постоянно продумывал сюжеты своих будущих произведений, так в 1848 году у него возник грандиозный план создания оперного цикла из четырёх произведений под общим названием «Кольцо Нибелунга», в число которых должна была войти опера «Валькирия».

Однако все творческие планы Рихарда вскоре нарушились из-за революционных событий: маэстро принимал в них самое активное участие. Повстанцы, воевавшие с властями за свои демократические идеи, были повержены. Начавшиеся затем облавы полиции, которая искала мятежников, включая заочно осуждённого Вагнера, заставили композитора срочно покинуть родину. Благодаря помощи преданного друга Ференца Листа ему удалось скрыться в соседней Швейцарии и обосноваться в Цюрихе. В жизни композитора начался сложный десятилетний период. Материальное положение Вагнера в то время было катастрофичным. Издатели отказывались печатать произведения композитора, а театры ставить его оперы. Однако, несмотря на все трудности Рихард не упал духом и, чтобы отвлечься от жизненных невзгод, он приступил к созданию либретто для ранее задуманной тетралогии.

После того как в декабре 1852 года была закончена вся текстовая основа «Кольца нибелунга» он сразу же взялся за создание первой оперы цикла - «Золото Рейна». Два года маэстро работал над партитурой этого произведения, но как только завершил её в 1854 году, тут же начал писать следующее своё сочинение – оперу «Валькирия». Необходимо заметить, что основной лейтмотив знаменитого «Полёта валькирий», входящего в эту музыкальную драму, Вагнеру пришёл в голову задолго до того, как он написал первую ноту в партитуре оперы. Это произошло в июле 1851 года, затем уже в процессе работы над «Валькирией» композитор сделал предварительный набросок пролога, а оркестровал его в феврале 1856 года, когда завершал работу над всей оперой.

Вернувшись в Германию после амнистии, Вагнеру вновь пришлось очень нелегко. Чтобы заработать на существование, он часто выступал в качестве дирижёра. При этом композитор для ознакомления публики со своими новыми оперными сочинениями, написанными в эмиграции, некоторые отрывки из них преобразовывал в концертные номера. С «Полётом валькирий» ему пришлось немного потрудиться, особенно с эпизодом, где участвует октет женских голосов. Премьерное исполнение этого произведения состоялось на авторском концерте в декабре 1862 года в венском театре «Ан дер Вин». Успех был оглушительным. Усиленный до сотни музыкантов оркестр с такой величественной проникновенностью исполнил «Полёт», что вызвал у слушателей бурный восторг. Буквально через несколько дней по убедительной просьбе публики удивительное творение Вагнера решили исполнить ещё раз. Произведение впервые было издано в Лейпциге, но впоследствии композитор, запретив отдельное исполнение «Полёта валькирий», даже предъявлял претензии вновь основанному в Майнце издательству «Schott Music», которое без дозволения автора напечатало его вновь. Наложенное вето на сочинение маэстро снял лишь в 1876 году, после того как в театре Байройта состоялась премьера всей тетралогии «Кольцо Нибелунга».

Интересные факты

Валькирия – это слово переводится как «выбирающая убитых». В древнегерманской мифологии она является дочерью верховного правителя, которая на крылатом коне парит над полем битвы и выбирает, кто из воинов должен остаться живым, а кто − умереть.

Рихард Вагнер никогда никому не доверял писать либретто к своим оперным спектаклям. Он это делал всегда сам.

Премьерное исполнение оперы «Валькирия», фрагментом которой является «Полёт валькирий», по особому распоряжению баварского короля Людвига II состоялось в Мюнхене в июне 1870 года. Поскольку Вагнер сильно противился разрозненному исполнению частей тетралогии «Кольцо Нибелунга», то на премьере он не присутствовал.

Рихард Вагнер в своих музыкальных спектаклях всегда большое внимание уделял происходящей на сцене зрелищности. Так, в опере «Валькирии» он замыслил настоящих коней вороной масти, на которых должны скакать воинственные девы. Например, для премьерной постановки в Вене - столице Австро-Венгрии, по особому высочайшему распоряжению, лошади были предоставлены из собственной конюшни императора Франца Иосифа I. Поскольку коней нужной масти там не оказалось, то их пришлось перекрашивать в чёрный цвет.

«Полёт Валькирий» любят использовать для озвучивания номеров цирковых представлений. Стоит заметить, что это стало происходить уже при жизни автора произведения.

В России «Полёт Валькирий» впервые услышали в 1863 году, когда по приглашению Петербургского филармонического общества Вагнер должен был дирижировать тремя концертами, один из которых состоял только из произведений композитора. Однако во время пребывания в России за Вагнером как за революционером была установлена полицейская слежка.

Главным пропагандистом музыки Рихарда Вагнера в России стал композитор Александр Николаевич Серов, впервые услышавший произведения маэстро в 1858 году в Дрездене.

Возросшая популярность Вагнера в начале XX века сильно пострадала в тридцатые годы, после того как нацисты объявили его композитором Третьего рейха, а Адольф Гитлер высказывал о своём сильном впечатлении от прослушиваний произведений гениального немецкого маэстро. В связи с этим после завершения Второй мировой войны, несмотря на отсутствие запретов, восторженное отношение к творчеству Вагнера не поощрялось.

Музыка «Полёта валькирий» во время Второй мировой войны довольно часто использовалась в немецких и японских новостных военных фильмах. Помимо этого, она очень запоминающее звучит в киноленте режиссёра Фрэнсиса Форда Копполы «Апокалипсис сегодня», во время атаки американских вертолётов на вьетнамскую деревню.

Содержание «Полёта валькирий»

«Полет валькирий» является прологом к третьему - последнему действию второй части тетралогии «Кольцо Нибелунга» - оперы «Валькирия.

Эта производящая сильное впечатление на слушателей оркестровая прелюдия, предваряет и далее сопровождает грандиозную и достойную восхищения сцену, в которой четыре фантастические амазонки летают по небу на крылатых конях и приветствуют друг друга призывным кличем «Хо-йо-то-хо!». Вскоре к ним присоединяются ещё четыре воинственные девы, затем все восемь сестёр опускаются на горное плато, чтобы подождать там валькирию по имени Брунгильда.

Для «Полёта валькирий» - этой воинственной и в то же время возвышенной и торжественной музыки, отображающей картину стремительной воздушной скачки, композитор выбрал тональность си минор и довольно редко встречающийся размер 9/8.

Произведение стремительными пассажами тридцать вторых нот из затакта открывают струнные инструменты, но тут же эстафета передаётся деревянным духовым, которые подражая вихревому воздушному потоку, изображают в музыке свист шквалистого ветра и создают ощущение свободного полёта. Тут вся тематическая линия построена так, что каждая следующая фраза будто бы отталкивается от предыдущей. Затем уже в пятом такте композиции, на фоне тремолирующих деревянных, четыре валторны и три фагота начинают исполнять мотив, который изобразительно передаёт ритм лихой скачки. А далее в тринадцатом такте на первый план выходит неустрашимая тема валькирий, героически звучащая в исполнении звучного хора медных духовых инструментов. Впоследствии её интенсивное развитие приводит к кульминации, после которой, перекликаясь между собой, альты и скрипки исполняют иной лейтмотив, отображающий воинственную перекличку воинствующих дев. После него в тематический материал произведения вновь возвращается основная тема валькирий. Теперь хор медных духовых инструментов становиться более насыщенным. Особую яркость музыке придаёт звучание труб и тромбонов, а в заключительной кульминации к ним присоединяются туба, контрабасы и ударные. Тремолирующий фон деревянных духовых разрастается всё больше и охватывает теперь обширный диапазон. В результате в заключительных тактах произведения слушатель попадает в настоящую звуковую лавину.

Среди множества музыкальных сочинений, написанных Вагнером, «Полёт валькирий» по праву считается одним из лучших его творений. Более восхитительной и захватывающей музыки, так выразительно отображающей воинственные воздушные маневры, пока никто из композиторов не придумал. Это произведение, которое сегодня называют шедевром на все времена, завораживает так, что его хочется слушать и слушать.

Richard Wagner: Ride of the Valkyries (Berliner Philharmoniker, Daniel Barenboim)

19.11.2020, 14:48:28

Вальсы Штрауса

«Король Венского вальса» звучит гордо! Именно так величественно нарекли великого композитора, имя которому Иоганн Штраус. Он вдохнул в этот жанр новую жизнь, подарил ему «поэмную трактовку». Много интересного и удивительного кроется в вальсах Штрауса. Так давайте заглянем в таинственный мир Венской музыки, дверь в который приоткрыл для нас сам король!

«Весенние голоса»

Произведение было написано в 1882 году. В этом же году композитор познакомился со своей будущей женой и творческой музой Адели Дойч. В последствие, для нее он сочинит еще одну композицию, носящую ее имя. Стоит отметить, что композитор первоначально задумывал написать это произведение с включением партии колоратурного сопрано.

Исполнено произведение было лишь через год на одном из благотворительных концертов того времени. Мероприятие проходило в здании театра «Ан дер Вин». Произведение приняли на «ура». Оно разошлось многомиллионным тиражом по всей Европе, и стало считаться одним из популярнейших сочинений автора.
Плавность ритма очерчивается линией контрабаса уже с первой ноты. Тема наполнена большим количеством украшений. Они являются изобразительным средством для полного отображения картин пробудившейся от долгой спячки природы. Все восстанавливается от зимнего сна, наступает великолепное время. Разумеется, данное произведение пришлось по вкусу многим: от любителей до настоящих ценителей профессионального музыкального языка.

«На прекрасном голубом Дунае»

Заказ на данный танец поступил от главного и известнейшего управляющего хоровым обществом в столице Австрии, ему потребовался именно хоровой вальс. Тогда место жительства творца находилось недалеко от берега этой величественной реки, поэтому над названием долго думать не пришлось. Премьера в столице Австрии прошла скромно. Штраус, привыкший к славе и всеобщему одобрению, лишь отшучивался, что самого вальса ему не жаль, а вот, что кода не добилась успеха, вот это его по-настоящему печалит.

Затем Штраус решил оркестровать данное произведение, чтобы кода не пропадала. Впервые оно было исполнено на Всемирной Парижской выставке. Публика ликовала, а вальс занял почетное место в списке. В последствие музыка станет символом Вены.

Музыка чарует и захватывает в собственный мир уже с первых тактов. Словно волшебное и переменчивое течение реки – мелодия композиции. Настроение нежное, но робкое, словно мелкая и волнующая водная рябь.

«Сказки Венского леса»

Одно из самых сказочных и волшебных произведений в творчестве Иоганна Штрауса-сына. Необходимо отметить, что композиция получила звание самого длинного вальса, когда-либо написанного композитором.

Слушая произведение можно заметить, что сказочная и таинственная атмосфера, передана при помощи специальных музыкальных приемов. К ним можно отнести и невероятно приятное звучание инструмента цитра, и включение в мелодическую и тематическую линию фольклорных мотивов. Так, отчетливо прослеживаются характерные черты лендлера. Произведение завоевало сердца многих романтичных людей, которые верят в настоящее чудо.

Вальс из оперетты «Летучая мышь»

Один из самых знаменитых номеров оперетты. Бесконечно свежий и грациозный по характеру. Он словно является яркой иллюстрацией замысла театральной постановки. Примечательно, что одна из известнейших газет того времени опубликовала более чем хвалебную статью, касающуюся успеха данной композиции. В ней автор указал, на богатство музыкальных тем композитора, иронично прибавив, что такого музыкального воображения хватит на несколько молодых французских сочинителей.

Гармония вальса достаточно подвижна, она и создает особое настроению. При этом инструментовка создает эффект певучести и мелодичности. Невероятная красота скрывается за мелодической линией. Не запомнить это произведение невозможно.

История создания Вальсов Штрауса

Мало кто знает, но композитор Иоганн Штраус-отец категорично был против того, чтобы его сын продолжал дело и становился музыкантом. Если бы не упрямство и дикое желание юноши, то мы никогда не смогли слушать вальсы Штрауса, наполненные лирикой и поэтикой.

Уже в девятнадцатилетнем возрасте начинающий композитор преподал урок собственному отцу. Совместно с оркестром он исполнил собственные сочинения, главным из которых был вальс. В качестве сладкой мести за запрет заниматься музыкой, в завершении концерта был исполнен один из знаменитейших вальсов отца. Разумеется, общество не могло оставить без комментариев подобного рода выходку, и все газеты на утро писали, что пора бы старому поколению композиторов отойти в сторону перед молодыми дарованиями. Отец был в бешенстве.

Тем временем популярность молодого композитора лишь возрастала. Ни один из вечеров в высшем кругу не проходил без исполнения вальсов Штрауса. Благодаря обаянию публика обожала Иоганна, его появление за пультом дирижера сопровождалось изысканными высказываниями от лица Высшего Венского общества. Маэстро вел себя непринужденно, заставляя оркестр играть с одного взгляда. Каждый жест вызывал аплодисменты слушателей. Когда звучал последний завершающий аккорд, дирижер медленно опускал руку и словно по волшебству исчезал из зала. Он был великим мастером не только музыки, но и театральной инсценировки.

Мастерство сочинения вальсовых композиций было достигнуто уже в 1860 году. Данный период в жизни можно считать наиболее плодотворным. Один за другим композитор сочиняет шлягеры своего времени, такие как:

Песни любви;

Прощание с Петербургом;

На прекрасном голубом Дунае.

Благодаря вальсу, о композиторе стали говорить и писать, его произведения разлетались в миллионных тиражах, как в виде нотных экземпляров, так и на пластинках. Вся биография композитора напоминает изящное кружение в трехдольном ритме. Его вальсы – это его жизнь, его печали и радости, победы и неудачи. История сохранила каждый из них. Вальсы Штрауса – это бриллианты, сверкающие вне зависимости от мастерства дирижера. Сам автор обожал собственные сочинения, но были среди них те, которые особенно нравились Штраусу. Давайте познакомимся с данными произведениями и их историей поближе.

Интересные факты

За всю творческую карьеру композитором было сочинено практически 170 музыкальных произведений в данном жанре.

В течение двух дней запись на виниловых пластинках «Голубой Дунай» разошлась в тираже на 140 тысяч экземпляров. Любители музыки часами стояли в магазине, чтобы получить аудиозапись.

Все знают, что Вагнер был сложным человеком и плохо относился к творчеству других композиторов. Придирчивый до безумия Рихард обожал произведение Штрауса, которое носило название «Вино, женщины, песни». Порой, если оперный классик находился в зале, то он просил специально для него повторить данную композицию.

«Весенние голоса» - это любимое произведение Льва Николаевича Толстого. Писатель любил слушать вальсы Штрауса, но особенно часто ставил пластинку именно с этой композицией.

Произведение «Прощание с Петербургом» посвящено Ольге Смирницкой, с которой во время проживания в северной столице России у композитора был длительный роман. Штраус хотел жениться на девушке, но ее мать была против такого брака. Они долго переписывались, пока Штраус не узнал, что Ольга выходит замуж за композитора Антона Рубинштейна.

Фрагмент «Весенних голосов» можно услышать у легендарной группы Queen. В альбоме «A day at the Races».

Банковское образование сыграло собственную роль в организации концертов композитора. Чтобы не упускать выгодные предложения, гений композиции собрал несколько оркестровых коллективов и разучил с ними самые популярные произведения. Затем оркестры исполняли произведения в одно, и тоже время, в разных местах, и в итоге прибыль лишь приумножалась. Сам композитор успевал дирижировать лишь одно произведение, после чего уезжал на вечер в другом доме.

Вальс «Жизнь артиста» является своеобразной автобиографией композитора, в нем раскрывается упоение жизнью.

В Бостоне вальс «На прекрасном голубом Дунае» исполняли оркестранты в количестве двух тысяч человек.

В Европе вальс «Весенние голоса» является символом празднования Нового года.

Самые популярные вальсы:

Среди 170 композиций существуют несколько произведений, особенно полюбившихся слушателям:

Прощание с Петербургом;

Вино, женщины, песни;

Императорский вальс;

На прекрасном голубом Дунае;

Лагуны;

Весенние голоса;

Венские женщины;

Сказки Венского леса;

1000 и 1 ночь;

Розы с юга;

Песни любви;

Поцелуй;

Каждый танец наполнен удивительной атмосферой. В те времена их знал каждый вне зависимости от положения на социальной лестнице. Все от мала до велика, напевали мелодии вальсов, танцевали под них, влюблялись, женились, праздновали Новый год. Эта музыка создана, чтобы делать людей по-настоящему счастливыми.

Вальсы Штрауса в кино

Популярность вальсов Штрауса сложно недооценить. Разумеется, что многие кинорежиссеры и продюсеры использовали музыку в собственных фильмах.

Так, Жан Ренуар в начале собственного фильма «Великая иллюзия» использовал вальс «Весенние голоса».

Существует замечательный мультипликационный фильм о мышке по имени Иоганн, в нем часто звучит вальс «Кровь Вены».

Знаменитый во всем мире Альфред Хичкок также не отказался вставить музыкальные композиции в собственный шедевр, более того он создал интереснейший фильм «Венские вальсы». История о создании одного из произведений Штрауса.

Популярная кинематографическая картина «Космическая одиссея» дополняется вальсом «На прекрасном голубом Дунае». Более того режиссер специально монтировал кадры под музыкальное сопровождение.

Саундтрек кинокартины «Шерлок Холмс. Игра теней» содержит фрагмент произведения «Кровь Вены» в несколько измененном виде. Идею предложил сам Гай Ричи.

«Прощание с Петербургом» - это картина наполнена сразу несколькими шедеврами творчества композитора. Более того, фильм рассказывает биографический отрывок из жизни музыканта в период проживания в Санкт-Петербурге.

Также вальсы Иоганна Штрауса можно услышать в кинолентах:

«На прекрасном голубом Дунае» Новый Человек-паук. Высокое напряжение (2014), Гуд бай, Ленин! (2003), Книга джунглей (1994), Прощальный квартет (2012), Ранго (2011)

«Весенние голоса» Тонкий лед (2011), Собственность дьявола (1997), Убийственные красотки (1999), Дикий тростник (1994)

«Сказки Венского леса» Титаник (1997), Эпоха невинности (1993), Сибирский цирюльник (1998)

«Императорский вальс» Вкус солнечного света (1999), Последний император (1987)

На сегодняшний день музыка используется в нескольких короткометражных фильмах:

Вечер гражданских сумерек в Империи Олова (2008);

Лучезарный (2007);

Незабываемая романтика (2004).

Иоганн Штраус подарил миру огромное творческое наследие. Каждый его вальс – это маленькая, но яркая история, какой в нем будет финал, зависит от слушателя. Легкость, их беззаботность и невероятная грациозность заставляют слушать произведение еще и еще

19.11.2020, 17:49:19

«Лету́чая мышь» (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Die Fledermaus) — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. австрийского композитора Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . Немецкое Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. на основе Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. немецкого драматурга Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Тюремное заключение» и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. французских авторов Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Новогодний вечер» (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Le réveillon). Премьера состоялась 5 апреля 1874 года в театре «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ».

История создания

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

Иоганн Штраус (сын)

В Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. венский театр «Ан дер Вин» взвешивал возможность постановки французского водевиля Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Новогодний вечер». В конце концов директор театра М. Штейнер отказался от этой мысли, тем более что сюжет Мельяка и Галеви представлял собой переделку шедшего ранее фарса Ю. Р. Бенедикса «Тюремное заключение». Не нашедший применения черновой текст директор предложил Иоганну Штраусу в качестве либретто новой оперетты «Летучая мышь»^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Весёлый, остроумный, праздничный дух либретто понравился Штраусу, и вся партитура была закончена им за 6 недель, уже Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. состоялась премьера. Поначалу «Летучая мышь» большой популярности не имела, но тем не менее не сходила с репертуара венских театров. Спустя 3 года переделанная версия (под названием «Цыганка») завоевала оглушительный успех в Париже, затем оперетту начали ставить повсюду, включая Австралию и Индию^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}. Окончательный триумфальный успех пришёл спустя 20 лет, после появления новой редакции (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ).

В честь персонажа оперетты Адели назван астероид Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , открытый в 1915 году
В честь персонажа оперетты Розалинды назван Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , открытый в 1918 году российским астрономом Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

22.11.2020, 11:52:36

«Ка́рмина Бура́на» (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Carmina Burana»; полн. «Carmina Burana: Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis» — «Песни Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. : Мирские песни для исполнения певцами и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , совместно с инструментами и магическими изображениями») — сценическая Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. немецкого композитора Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , на собственное Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , по мотивам средневековых стихотворений из Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , написанная в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. —Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. .

Первое исполнение кантаты состоялось Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , дирижёр — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. . «Carmina Burana» — это часть «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. », музыкального Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , который также включает в себя кантаты Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ) и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. (Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ). Наиболее известной является хоровая композиция «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. », которая открывает и завершает произведение.

Работа Орфа основана на двадцати четырёх стихотворениях из сборника Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , названного «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ». «Carmina Burana» переводится с латыни как «Бойернские песни». Это связано с тем, что оригинальный манускрипт сборника («Codex Buranus») был найден в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. (Beuern, Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Buranum; ныне — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ).

Карл Орф впервые столкнулся с этими текстами в публикации Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Вино, женщины и песни» Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , которая содержала английские переводы 46 поэм из сборника. Михель Гофман, студент-юрист и энтузиаст изучения Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , помогал Орфу в выборе 24 стихотворений и составлении из них Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. .

Это либретто включает стихи как на латинском, так и на Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. языке. Оно охватывает широкий круг светских тем, актуальных как в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , так и в наше время: непостоянство удачи и богатства, быстротечность жизни, радость возвращения весны и удовольствие от пьянства, обжорства, азартных игр и плотской любви.

Carmina Burana состоит из пролога и трёх частей, каждая из которых содержит несколько отдельных музыкальных действий:

Fortuna Imperatrix Mundi («Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. — повелительница мира») — пролог;
Primo vere («Ранней весной») — включает внутреннюю сцену Ûf dem Anger («На подмостках», «на лугу» — возможно, цитата из гномической песенки Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Ûf dem anger stuont ein boum») — первая часть;
In taberna («В кабаке») — вторая часть;
Cours d’amour («Любовные пересуды», «суды любви», буквально «Течение любви» или «Урок любви» — средневековые забавы знати, особые суды для разрешения любовных споров) — третья часть;
- Blanziflor et Helena («Бланшфлёр и Елена»; Бланшфлёр — персонаж испанской сказки, дочь демона, по другой версии — эльфийская царица, а может, и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в схожей по сюжету поэме Конрада Флека, как и Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , похищенная из своего царства возлюбленным).

Композиционная структура во многом основана на идее вращения «Колеса Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ». Рисунок колеса был обнаружен на первой странице Burana Codex. Он также содержал четыре надписи, помещённые на ободе колеса и в совокупности образующие стих: «Regnabo, Regno, Regnavi, Sum sine regno» (в переводе Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. – «Я воцарюсь – я царю – я царил – я ныне без царства»).^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}

Во время каждой сцены, а иногда и во время одного действия, «Колесо Фортуны» поворачивается, счастье оборачивается печалью, а надежда сменяется горем. «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. », первая поэма в редакции Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , завершает круг, формируя остов композиции произведения.

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

26.11.2020, 11:49:01

Бетховен «Лунная соната»

Сегодня вряд ли найдется человек, никогда не слышавший «Лунной сонаты» Людвига ван Бетховена, ведь это одно из самых известных и любимых произведений в истории музыкальной культуры. Такое красивое и поэтичное название произведению дал музыкальный критик Людвиг Рельштаб уже после смерти композитора.

История создания

Если по поводу другого популярнейшего произведения Бетховена багатели «К Элизе» возникают сложности, при попытке узнать кому же именно было оно посвящено, то тут все предельно просто. Соната для фортепиано No14 до-диез минор, написанная в 1800-1801 годах, была посвящена Джульетте Гвиччарди. Маэстро был влюблен в нее и мечтал о женитьбе.

Стоит отметить, что в этот период композитор стал все чаще ощущать ухудшение слуха, но был все также популярен в Вене и продолжал давать уроки в аристократических кругах. Впервые об этой девушке, своей ученице, «которая любит меня и любима мной» он написал в ноябре 1801 года Францу Вегелеру. 17-летняя графиня Джульетта Гвиччарди и Бетховен познакомились в конце 1800 года. Бетховен учил ее музыкальному искусству, причем даже не брал денег за это. В благодарность девушка расшивала ему рубашки. Казалось, что счастье ждет их, ведь чувства у них взаимны. Однако планам Бетховена не суждено было сбыться: юная графиня предпочла ему более знатного человека, композитора Венцеля Галленберга.

Потеря любимой женщины, усиливающаяся глухота, рухнувшие творческие планы – все это навалилось на несчастного Бетховена. И соната, которую композитор начинал писать в атмосфере окрыляющего счастья и трепетной надежды, завершилась гневом и яростью.

Известно, что именно в 1802 году композитор написал то самое «Гейлигенштадтское завещание». В этом документе слились воедино и отчаявшиеся мысли о надвигающейся глухоте и о неразделенной, обманутой любви.

Удивительно, но название «Лунная» прочно закрепилось за сонатой благодаря берлинскому поэту, сравнившем первую часть произведения с прекрасным пейзажем Фирвальдштетского озера в лунную ночь. Любопытно, но многие композиторы, музыкальные критики выступали против такого названия. А. Рубинштейн отмечал, что первая часть сонаты глубоко трагична и в ней скорее всего показано небо с густыми облаками, но никак не лунный свет, который по идее должен выражать мечты и нежность. Лишь вторую часть произведения можно с натяжкой назвать лунным сиянием.

Композитор дал своему сочинению название «соната в духе фантазии». Связано это с тем, что привычная для этого произведения форма была нарушена и части изменили свою последовательность. Вместо обычных «быстро-медленно-быстро», развивается соната от медленной части к более подвижной.

Интересные факты

Известно, что всего лишь два названия сонат Бетховена принадлежат самому композитору – это «Патетическая» и «Прощальная».

Сам автор отмечал, что первая часть «Лунной» требует от музыканта деликатнейшего исполнения.

Вторую часть сонаты принято сравнивать с танцами эльфов из «Сна в летнюю ночь» Шекспира.

Все три части сонаты объединяет тончайшая мотивная работа: второй мотив главной темы из первой части звучит в первой теме второй части. Помимо этого, многие выразительнейшие элементы из первой части нашли отражение и развитие именно в третьей.

Любопытно, что существует много вариантов сюжетного толкования сонаты. Наибольшую популярность получил именно образ Рельштаба.

Кроме того, одна американская ювелирная компания выпустила потрясающее колье из натурального жемчуга, названное «Лунной сонатой». А как вам кофе с таким поэтическим названием? Его предлагает своим посетителям известная зарубежная фирма. Ну и наконец, даже животным иногда дают таким клички. Так, жеребец, выведенный в Америке получил такое необычное и красивое прозвище, как «Лунная соната».

Некоторые исследователи его творчества, считают, что в этом произведении Бетховен предвосхитил позднее творчество композиторов романтиков и называют сонату первым ноктюрном.

Известный композитор Ференц Лист назвал вторую часть сонаты «Цветком среди пропасти». Действительно, некоторым слушателям кажется, что вступление очень похоже на едва раскрывшийся бутон, а уже вторая часть – это само цветение.

Содержание

В «Лунной» сонате все особенности композиции и драматургии зависят от поэтического замысла. В центре произведения душевная драма, под действием которой настроение меняется от скорбной самопогруженности, скованной печалью размышления к бурной активности. Именно в финале возникает тот самый открытый конфликт, собственно, для его показа и понадобилось переставлять части местами, чтобы усилить эффект и драматичность.

Первая часть – лирическая, она полностью сосредоточена на чувствах и мыслях композитора. Исследователи отмечают, что манера, с которой Бетховен раскрывает этот трагический образ, сближает эту часть сонаты с хоральными прелюдиями Баха. Вслушайтесь в первую часть, какой образ хотел донести до публики Бетховен? Конечно же лирика, но она не светлая, а слегка подернута скорбью. Может быть это размышления композитора о своих несбывшихся чувствах? Слушатели словно на мгновение погружаются в мир мечты другого человека.

Изложена первая часть в прелюдийно-импровизационной манере. Примечательно, что во всей этой части господствует лишь один образ, но такой сильный и лаконичный, который не требует никаких пояснений, лишь сосредоточенности на себе. Главную мелодию можно назвать остро-выразительной. Может показаться, что она достаточно простая, но это не так. Мелодия сложна по интонационному складу. Примечательно, что этот вариант первой части очень отличается от всех других его первых частей, так как в ней отсутствуют резкие контрасты, переходы, лишь спокойное и неторопливое течение мысли.

Однако вернемся к образу первой части, ее скорбная отрешенность – это лишь временное состояние. Невероятно интенсивное гармоническое движение, обновление самой мелодии говорит об активной внутренней жизни. Разве может Бетховен так долго находиться в состоянии скорби и предаваться воспоминаниям? Мятежный дух должен еще дать о себе знать и выплеснуть все бушующие чувства наружу.

Следующая часть достаточно небольшая и построена на легких интонациях, а также игре света и тени. Что скрывается за этой музыкой? Возможно, композитор хотел рассказать о тех переменах, которые произошли в его жизни благодаря знакомству с прекрасной девушкой. Без сомнений, в этот период – настоящей влюбленности, искренней и светлой, композитор был счастлив. Вот только счастье это длилось совсем не долго, ведь вторая часть сонаты воспринимается, как небольшая передышка, чтобы усилить эффект финала, ворвавшегося со всей своей бурей чувств. Именно в этой части невероятно высокий накал эмоций. Примечательно, что косвенно тематический материал финала связан с первой частью. Какие эмоции напоминает эта музыка? Конечно же никаких страданий и скорби тут уже нет. Это взрыв гнева, который закрывает собой все другие эмоции и чувства. Лишь в самом конце, в коде вся пережитая драма отодвигается вглубь невероятным усилием воли. И это уже сильно похоже на самого Бетховена. В стремительном, страстном порыве проносятся грозные, жалобные, взволнованные интонации. Весь спектр эмоций человеческой души, испытавшей такое тяжелое потрясение. Можно с уверенностью сказать, что перед слушателями разворачивается самая настоящая драма.

Интерпретации

За все время своего существования, соната всегда вызывала неизменный восторг не только у слушателей, но и у исполнителей. Ее очень высоко ценили такие известные музыканты, как Шопен, Лист, Берлиоз. Многие музыкальные критики характеризуют сонату, как «одну из вдохновеннейших», обладающую «самой редкой и самой прекрасной из привилегий – нравиться посвященным и профанам».

Не удивительно, что за все время ее существования появилось очень много интерпретаций и необычных исполнений.

Так, известный гитарист Марсель Робинсон создал переложение для гитары. Большую популярность получила аранжировка Гленна Миллера для джазового оркестра.

Более того, 14-я соната вошла в русскую художественную литературу благодаря Льву Толстому («Семейное счастье»). Ее изучением занимались такие известные критики, как Стасов и Серов. Ромен Роллан также посвятил ей множество вдохновенных высказываний, при изучении творчества Бетховена. А как вам отображение сонаты в скульптуре? Это тоже оказалось возможным, благодаря работе Пауля Блоха, который представил в 1995 году свою мраморную скульптуру с одноименным названием. В живописи произведение также получило свое отражение, благодаря творчеству Ральфа Харриса Хаустона и его картине «Лунная соната».

Финал «Лунной сонаты» – бушующий океан эмоций в душе композитора – мы и будем слушать. Для начала – оригинальное звучание произведения в исполнении немецкого пианиста Вильгельма Кемпфа. Только посмотрите, как уязвленное самолюбие и бессильная ярость Бетховена воплощаются в стремительно взмывающих вверх по клавиатуре фортепиано пассажах...

Без сомнений, «Лунная соната» Бетховена относится к числу наиболее популярнейших произведений композитора. Более того, она является одним из ярчайших сочинений всей мировой музыки. Все три части этого произведение – это неразрывное чувство, которое нарастает до самой настоящей грозной бури. Герои этой драмы, а также их чувства живы по сей день, благодаря этой замечательной музыке и бессмертному произведению искусства, созданного одним из величайших композиторов.

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

28.11.2020, 19:41:44

Георгий Свиридов «Вальс»

Вальс. Этот удивительный грациозный и благородный танец, появившийся более двух столетий назад, сегодня называют танцем на века. Многих поэтов он вдохновлял на проникновенные строки, а композиторов на создание очаровательных произведений. Шуман, Шопен, Глинка, Чайковский – сложно перечислить всех музыкальных творцов, чьими сочинениями в данном жанре мы не перестаём восхищаться и поныне. Не обошёл стороной этот элегантный танец и видный советский композитор Георгий Свиридов, чей «Вальс», изначально написанный к фильму «Метель», а затем вошедший в одноимённый симфонический цикл, сегодня причисляют к самым красивейшим вальсам.

История

В конце пятидесятых годов в творчестве Свиридова отмечался особый подъём После окончания неблагоприятного периода, когда он попал в число композиторов, обвиняемых в формализме, когда все его творения были в немилости, то есть не издавались и не исполнялись, Георгий Васильевич с жадностью принялся за сочинение новых произведений. Одно за другим из-под пера талантливого музыканта выходили новые сочинения, каждое из которых становясь важным событием в культурной жизни страны и набирало полные концертные залы. Публика внимала их затаив дыхание. Круг почитателей творчества Свиридова становился всё шире и шире. Он встречался на музыкальных вечерах со слушателями, рассказывал о своём творчестве и выражал мнение, в каком направлении должна двигаться отечественная музыка. Помимо того, о проблемах культурной жизни страны он часто писал в статьях, которые регулярно печатались на страницах центральных журналов и газет. В ту пору авторитет Свиридова достиг настолько высокой планки, что в 1960 году он был избран в члены правления Союза Композиторов России.

В то время творчество композитора главным образом было сосредоточено на вокально-хоровых жанрах. Инструментальную музыку он тоже сочинял с удовольствием, но только для художественных фильмов и театральных спектаклей. Так, например, когда в 1964 году к Григорию Васильевичу обратился популярный актёр и кинорежиссёр Владимир Басов с просьбой о сочинении музыки к фильму «Метель», являвшемуся экранизацией известной повести Пушкина, он с охотой согласился. К произведениям великого литератора Свиридов относился с особым благоговением, ведь недаром в числе его первых композиторских начинаний были вокальные миниатюры, написанные на поэтические тексты Александра Сергеевича. Поступившее предложение приглянулось композитору ещё и тем, что в нём предоставлялась возможность воспеть то, чему он в последнем десятилетии в своём творчестве отдавал особое предпочтение – это русская действительность. Да к тому же в сочинении музыкальных зарисовок к этому фильму его привлекала возможность отражения образного мира провинциальной России того далёкого времени, в котором жил гениальный поэт. Кроме того Григорию Васильевичу было по нраву, что основное действие произведения происходило в зимний период: именно это время года он очень любил изображать в своих произведениях.

С присущим ему энтузиазмом Свиридов приступил к работе над музыкой к кинофильму. Композитор задумал создать такой музыкальный материал, чтобы жизнь в маленьких провинциальных городках, с которой он был с детства знаком, не казалось слишком уж серой и скучной. А для более реалистичного отображения уездного бытия Григорий Васильевич придумал мелодические темы, которые были приближены к мотивам, звучащим в России в пушкинские времена и, конечно же, подобрал соответствующие жанры, то есть вальс, романс и марш.

Наполненная вдохновением маэстро работа над музыкальными иллюстрациями, в число которых вошёл выше упомянутый «Вальс», была завершена довольно быстро. Фильм отсняли и полностью смонтировали, а в феврале 1965 года выпустили на экраны кинотеатров. Очаровательная музыка так завораживающе звучащая на протяжении всей киноленты сразу полюбилась зрителям. Музыкальные фрагменты из фильма очень часто стали звучать в радиопередачах и с телевизионных экранов. И когда у Свиридова уже не вызывало сомнения, что они очень популярны и любимы народом, композитор решил их преобразовать в сюиту, которую назвал «Метель - музыкальные иллюстрации к повести А.С. Пушкина». Так в 1973 году появилось великолепное произведение, которому была предопределена счастливая концертная жизнь.

Интересные факты

По высочайшему указу, изданному императором Павлом I в 1799 году 1 марта, в России на вальс было наложено вето, однако запрет на танец продолжался недолго - всего один год.

Вальс публично впервые станцевали в США в Бостоне в 1834 году. Возмущённая общественность назвала танец неприличным и непристойным.

Впервые Свиридов обратился к творениям Александра Сергеевича Пушкина в 1935 году, во время учёбы в музыкальном техникуме. Он написал шесть романсов, которые были настолько хороши и оценены по достоинству, что молодого музыканта не достигшего двадцатилетнего возраста приняли в Союз композиторов.

Своё произведение «Метель», которое является одним их составных частей цикла с названием «Повести Белкина», великий русский поэт Пушкин, написал во время своего невольного пребывания в имении Болдино, находящегося неподалеку от Нижнего Новгорода. В 1830 году у Александра Сергеевича перед свадьбой с Натали Гончаровой возникла необходимость посетить поместье, но смертоносная холера, которая вспыхнула в то время в России, заставила его остаться там на довольно продолжительное время. Данный период, в творчестве поэта биографами выделяется особо и называется «Болдинской осенью». Считается, что именно тогда появились лучшие произведения гениального Пушкина.

В России родоначальником романтического вальса принято считать Михаила Ивановича Глинку, хотя история этого элегантного танца в нашем отечестве берёт своё начало с Александра Сергеевича Грибоедова — автора знаменитого «Горе от ума».

В повести «Метель», сочинённой Пушкиным в течение всего одного дня, рассказывается о невесёлом приключении молоденькой провинциальной девушки, которая против воли своих родителей решилась тайком выйти замуж. По стечению обстоятельств, на которые повлияла разбушевавшаяся природная стихия, планы влюблённых были нарушены. Девушка нечаянно пошла под венец с другим, хотя в итоге всё получилось так, что она нашла своё настоящее счастье.

На создание симфонического цикла из музыкальных зарисовок фильма «Метель» композитора побудила Эльза Густововна Клазер – любимая жена Георгия Свиридова.

Все свои произведения Георгий Свиридов сочинял на рояле, который арендовал в Союзе композиторов. Случилось так, что по стечению жизненных обстоятельств у композитора не было личного инструмента.

Инструментальную музыку Свиридов писал в основном к спектаклям и фильмам, которых в творческом арсенале композитора насчитывается более двадцати.

Содержание «Вальса» Свиридова

«Вальс» - этот пропитанный романтикой танец Георгий Свиридов посчитал просто необходимым вставить в музыкальные иллюстрации к фильму, а затем, соответственно, и в симфоническую сюиту. Во времена Пушкина вальс считали излишне вольным танцем, но, тем не менее, на русских балах ему отдавали предпочтение, и даже в ту пору была весьма расхожей поговорка, что с вальса на балу начиналась любовь.

«Вальс», вошедший в сюиту под номером два, написан в тональности до-диез минор и заключён композитором в трёхчастную форму. Композиция, несмотря на то, что не отличается особой пышностью, присущей бальным танцам, изначально открывается призывными ликующими аккордами в исполнении всей группы медных духовых инструментов. Затем после солирующего хода тубы начинается первый раздел вальса, включающий в себя три очаровательные темы. Сначала в исполнении первых скрипок и гобоя под лёгкий аккомпанемент пиццикато струнных начинает звучать изящный порхающий мотив. Он небольшой: его продолжительность составляет всего шестнадцать тактов. Следующая далее лирическая тема, исполнение которой композитор доверил только скрипичной группе, вносит в музыку танца оттенок сентиментальности и мечтательности. При повторном проведении композитор раскрашивает её красивыми подголосками кларнета. После третьей темы, ярко демонстрирующей богатейшие возможности симфонического оркестра и отличающейся приподнятостью и торжественностью, как и в рондо вновь возвращается полный поэтичности второй мотив. Затем начинается небольшой средний раздел вальса, в котором пластичная мелодия в исполнении солирующего гобоя изящно звучит на фоне пиццикато струнных инструментов. Далее репризно повторяется музыкальный материал первой части.

«Вальс» Георгия Свиридова. Эта изысканная и одновременно роскошная композиция сегодня пользуется большой популярностью. Её музыка очаровывает не только душевностью, но и яркой изобразительностью. В рассказанном композитором при помощи музыкальных звуков романтическом сюжете есть и любовь, и разлука. Слушая это произведение, сразу хочется верить, что в жизни, чтобы не случилось всё обязательно закончиться благополучно и в конечном итоге приведёт к счастью.

01.12.2020, 13:10:34

И.С. Бах Органная токката и фуга

Органная токката и фуга (ре минор) – это опус магнум органной музыки Иоганна Себастьяна Баха. Произведение широко известно и популярно как среди профессиональных органистов, так и среди любителей классической музыки.

История создания

Музыковеды и исследователи не имеют единого мнения, касающегося даты сочинения. Одни утверждают, что цикл для органа был создан в раннем творческом периоде, другие, что за год до смерти. Условно датой написания считают период от 1701 до 1740 годов.

Установить точную дату не получилось, так как оригинальные ноты не сохранились для последующего поколения. Единственная рукопись, дошедшая в целости и невредимости – это переписанный вариант 12-летним Иоганнесом Рингком, учеником Иоганна Питера Келлнера, который в собственную очередь послушно учился полифоническому мастерству у великого Баха. Опубликована нотная запись была лишь спустя век после написания, а именно в 1830 году. Популярность к произведению пришла благодаря старанию знаменитого музыканта и композитора Феликса Мендельсона, который почитал музыку Баха и занимался ее активной пропагандой.

Новый виток популярности Токката и фуга получила благодаря известному мультипликатору Уолту Диснею. В 1940 году он использовал музыку в мультипликационном фильме «Фантазия», чем заслужил огромное количество положительных рецензий.

Сегодня цикл для органа считается вершиной органного творчества. Чтобы исполнить произведение необходимо обладать виртуозной техникой и блестящим мастерством во владении органом.

Интересные факты

Для широкой аудитории произведение открыл известный композитор и популяризатор барочной музыки Феликс Мендельсон. Именно благодаря ему публика смогла оценить великолепные произведения забытого всеми Баха.

Многие музыковеды оспаривают авторство Баха, считая, что приемы, использованные для развития полифонического склада, не характерны для творчества композитора эпохи барокко. Так, достаточно редко Бах использовал параллельные октавы и субдоминатновый ответ в фуге.

Произведение могло не дойти до потомков, если бы не органист и композитор Иоганнес Рингк. Оригинальная рукопись, к сожалению, не сохранилась. Существует версия, что Иоганнесу Рингку она досталась от ученика Баха Келлнера.

Тональность ре минор в символики музыки композитора является олицетворением страдания и искупления. В данной тональности Иоганн Себастьян написал еще один цикл Токкаты и фуги под номером BWV 538.

Содержание Органной токкаты и фуги Баха

Цикл из токкаты и фуги поражает единством и целостностью мысли. Эмоционально насыщенная музыка потрясает неисчерпаемой глубиной с первых тактов и держит слушателя в напряжении до последнего финального аккорда. В этом и заключается мастерство гениального полифониста Баха, умеющего создавать единую тематическую линию, развивающуюся и не угасающую в течение 10 минут. Композиция имеет арочную структуру, так, мотив, который был изложен во вступлении в видоизмененном варианте предстает перед слушателем в коде фуги, замыкая цикл и делая его логически завершенным.

Токката

Пафосность токкаты достигается за счет использования драматических музыкальных приемов и элементов. Ёмкий и лаконичный возглас – это ничто иное, как призыв, приковывающий внимание с первых тактов. Троекратно мотив, изложенный в унисон, проходит в разных голосах, утверждая основную музыкальную мысль. Риторика украшений восходит к барочной стилистике.

Токката строится на едином музыкальном тематизме, поэтому именно вступление закладывает генофонд для дальнейшего развития сочинения. Драматичная и стремительная тема рождается из вступительного монолога. Виртуозность и импровизационность – это основа композиции. Быстрые пассажи, устремленные, то вверх, то вниз создают напряжение, которое то стихает, то набирает новую силу, поднимая накал чувств на абсолютно новый уровень драматического развития.

Высокая эмоциональная температура достигает наивысшей точки накала в коде, как символ безутешной бури. Пик напряжения напоминает девятый вал. Глубокое звучание поражает слушателя исполинской мощью и страстью, подготавливая почву для вступления фуги.

Фуга тематически продолжает развивать музыкальный материал токкаты, но имеет более чёткую и ясную структуру. Фуга состоит из трех разделов:

В экспозиционном разделе тема фуги проводится поочередно в трех голосах. Стоит отметить, что ответ, не характерен для творчества Баха и написан в тональности субдоминанты. Обычно ответ пишется в доминантовой тональности.

Средний раздел имеет функцию тонального развития, так музыкальный материал транспонируется в далекие тональности, что создает внутреннее напряжение и позволяет выразить драматичность и в некоторой степени трагедийности музыки.

Заключительный раздел утверждает не только основную тональность, но и основную мысль композиции.

Единство цикла достигается благодаря импровизационному складу фуги, ее живости и стремительности. Некоторые исследователи усматривают, что тональность ре минор характерна для Баха, как Страдание и Искупление. В данном случае носителем идеи страдания является токката с ее драматическими и пафосными возгласами. Фуга же на некоторое время снимает напряжение, созданное в токкате, что характеризует музыку как искупление грехов.

Необходимо учитывать, что музыке Иоганна Себастьяна Баха религиозность не чужда, а наоборот, характерна, ведь он жил в эпоху барокко, во времена, когда музыка являлась священным ремеслом. Подчеркивает религиозный характер и монументальный и величественный тембр органа. Массивный инструмент является королем среди клавишных. Орган – это единственный инструмент, чье звучание сравнивается с божественным и не запрещается при церковных католических литургиях.

J.S. Bach - Toccata and Fugue in D minor BWV

Музыка Органной токкаты и фуги в кинематографе и телевидении

Музыка великого Иоганна Себастьяна Баха являлась настоящим спасением для режиссеров и мультипликаторов уже на заре кинематографа, когда киноискусство только делало первые шаги и казалось для публики настоящим чудом. В 1940 году знаменитый мультипликатор Уолт Дисней, высоко ценивший классическую музыку, создал мультипликационный фильм «Фантазия». Одну из лидирующих ролей в качестве музыкального сопровождения получила знаменитейшая Токката и фуга И.С. Баха. После экранизации произведение стало еще более популярным и известным. Для отечественного телевидения органное сочинение является по-настоящему знаковым, так как именно с звучания патетического речитатива Токкаты начиналась передача «Человек и закон».

Первому игроку приготовиться (2018);

Удивительный мир Гамбола (2017);

Лего Фильм: Бэтмен (2017);

В поиске совершенного консонанса (2016);

Маргарита (2015);

Непутёвая учеба (2015);

Когда я был жив (2014);

Бабадук (2014);

Конец света 2013: Апокалипсис по-голливудски (2013);

Квартет (2012);

Топ Гир (2007);

Мое сердце биться перестало (2005);

Авиатор (2004);

Верхом на великанах (2004);

Человек и закон (1970).

Органная прелюдия и токката ре минор Иоганна Себастьяна Баха – это вечная незыблемая классика. Сочинение доказывает, что в музыке Баха непререкаемо сочетается статика и движение, сила и покорность, судьба и человек. Архитектурность и монументальность произведения помогают отобразить весь спектр технических возможностей органа.

03.12.2020, 16:57:36

«Щелку́нчик» — соч. 71, Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в двух актах на Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. по мотивам сказки Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ».

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

В основу либретто легло переложение сказки, сделанное в 1844 году Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.} (театральная энциклопедия ошибочно называет автором переложения Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}) и опубликованное в том же году под названием «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. »^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}. Несмотря на сохранение основной сюжетной канвы сказки, перевод Дюма представлял собой новый её вариант, отличный от оригинала. В связи с частичным изменением сюжета сказки Гофмана сюжетная версия либретто предстаёт в более сглаженном, сказочно-символическом виде^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. балета состоялась Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. в один вечер с оперой «Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. ». Роли Клары и Фрица исполняли дети, учащиеся Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , которое оба закончили лишь через несколько лет в 1899 году^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.} (это видно и по приведённой в данной статье фотографии — см. выше) Клара — Станислава Белинская, Фриц — Василий Стуколкин. Другие исполнители: Щелкунчик — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , фея Драже — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , принц Коклюш — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , Дроссельмейер — Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , племянница Марианна — Лидия Рубцова; балетмейстер Иванов, дирижёр Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , художники Бочаров и К. Иванов, костюмы — Всеволожский и Пономарев.

В 1892 году была издана Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. из балета «Щелкунчик» в переложении для фортепиано в четыре руки Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. , два года спустя вышло его же переложение всей Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. балета^{Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.}.

«Щелкунчик» занимает особое место среди поздних произведений П. И. Чайковского: стоит обособленно от традиции балетного жанра, в нём новаторски применены музыкальные образы. В «Щелкунчике» впервые прозвучала Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое. — музыкальный инструмент, выписанный из Парижа по просьбе Чайковского.

В разных редакциях есть разночтения в имени главной героини: Клара и Мари. В оригинальной книге Гофмана главную героиню зовут Мари, а Клара — это её любимая кукла.

В России с началом Первой мировой войны (1914 год) и ростом патриотических настроений сюжет балета русифицировался, и главная героиня стала зваться Машей. При этом Фриц остался непереименованным, поскольку он — отрицательный персонаж. Примечательно, что эта традиция действует до сих пор.

Изменено 04.12.2020, 12:06:04 пользователем Ульф

04.12.2020, 12:40:00

П.И. Чайковский «Времена года»

«Времена года» - это не просто цикл ярких характеристичных пьес, которые знакомы практически каждому с самого детства. Это настоящий личный дневник композитора, куда он старательно записал все памятные и дорогие для него эпизоды, удивительные картины природы. Здесь тесно сплелись городские картины жизни, деревенский быт, бескрайние просторы и чувства. Что и отличает фортепианный цикл Петра Ильича Чайковского от других подобных произведений.

История создания

Возникновение известнейшего цикла Петра Ильича Чайковского связано напрямую с журналом «Нувеллист», который начал свою деятельность с 1842 года. Это издание знакомило читателей со всеми новинками из мира музыки, работами отечественных и зарубежных композиторов. Петр Ильич успешно сотрудничал с журналом с 1873 года, тогда он написал специально для издания несколько вокальных произведений. На этот раз издатель журнала Николай Матвеевич Бернард в ноябре 1875 года обратился к Чайковскому с просьбой сочинить цикл пьес и пообещал весьма приличный гонорар.

Издатель сразу предложил композитору названия пьес, определив тем самым программу произведений. В декабре 1875 году в том же журнале опубликовали анонс, в котором пообещали познакомить читателей уже в наступающем году с оригинальным сочинением Чайковского, перечислив названия пьес.

Сведений о процессе написания цикла практически нет, известно лишь, что в это время Петр Ильич пребывал в столице. В середине декабря 1875 года маэстро в своем письме к Бернарду написал, что сильно обеспокоен тем, что пьесы могут оказаться длинными и скучными. Впрочем, сомнения Чайковского были напрасными, ведь сочинения понравились Бернарду и они были опубликованы точно в срок.

Когда пьесы были готовы и их опубликовали в «Нувеллисте», Бернард к ним добавил поэтические эпиграфы, чтобы полнее раскрыть замысел композитора.

Само наименование «Времена года» впервые возникло в конце 1876 года, когда был издан полностью весь цикл. Во всех последующих изданиях этот заголовок сохранился. Впрочем, Бернард все же внес свою лепту, добавив к заголовку пояснение «12 характерных картинок».

13 декабря Петр Ильич отправил издателю первые две пьесы и сразу же началась подготовка к их публикации в журнале, который выпускался каждый месяц. Таким образом, в каждом номере должны были быть представлены сочинения композитора, которые и открывали его, за исключением девятого номера. В этом выпуске первой расположили работу В. Главача - постоянного автора издания. В том же номере было указано, что все подписчики получат в конце года двенадцать пьес Чайковского в одном издании, как приятный бонус. Таким образом, полностью весь цикл увидел свет в конце 1876 года.

К сожалению, информации о том, как критики приняли новинку Чайковского и о том, где пьесы были впервые исполнены, нет. Впрочем, признание публики не заставило себя долго ждать. Вскоре этот цикл стал необычайно популярен среди исполнителей, причем как любителей, так и настоящих профессионалов.

Интересные факты

Композитору были предоставлены заранее названия всех двенадцати пьес, но некоторые из них он все же озаглавил самостоятельно. Так, миниатюра «Жатва» была обозначена как Скерцо, а «Святки» – Вальс. В последствии, эти подзаголовки были убраны другими издателями.

Чайковский не единственный из композиторов, кто написал цикл «Времена года». Ранее эту тему затронул Антонио Вивальди, сочинивший 4 струнных концерта, которые соответствовали разным сезонам. Астор Пьяцолла написал цикл из четырех пьес, выполненных в стиле танго. Композитор Григор Ахинян создал танцевальный цикл «Времена года». Помимо этого, существует большое количество одноименных балетов, а также оратория Йозефа Гайдна.

В живописи также имеются циклы «Времена года» (Никола Пуссена, Джузеппе Арчимбольдо). Франческо Соцци создал цикл фресок, соответствующих сезонам, а Марк Шагал – мозаику.

Белые ночи – это образ, который всегда привлекал внимание творцов. Русские художники и поэты воспевали их романтичность в своих работах. Ф. Достоевский написал повесть «Белые ночи».

В одной из пьес Чайковский показывает романтический образ Петербурга. С этим городом его многое связывало. Именно здесь он пережил свой триумф и обрел признание публики.

В первой половине XIX века большую популярность в отечественной музыке приобрели баркаролы. Они прочно вошли в русскую лирику, а также проникли в поэзию и живопись.

Фортепианный цикл Чайковского исполняли многие известнейшие пианисты, такие как Святослав Рихтер, Андрей Никольский, Михаил Плетнев.

Фестиваль «Кружева», проходивший в Вологде (2016), сумел покорить слушателей, ведь на нем было сразу представлено шесть вариантов пьесы «Осенняя песнь» из цикла.

Содержание «Времен года»

В сборник «Времена года» вошло 12 небольших пьес, которые соответствуют всем месяцам года. Очень точно композитор передал не только природу, во всей ее красе, но и состояние человека, мир его чувств, связанных с этим временем года. Подчас, даже не нужны слова, чтобы понять, что именно хотел передать автор в этом произведении. Музыка очень ярко и понятно говорит сама за себя.

Новые версии «Времен года»

Петр Ильич Чайковский - Времена Года

Цикл «Времена года» оказался невероятно популярен среди исполнителей, именно поэтому он существует во всевозможных переложениях для разных инструментах и составов. Многие известные музыканты в свое время занимались оркестровкой партитуры фортепианного цикла. Наибольшей популярностью пользуется версия Александра Гаука (1942 г), которая была приурочена к 100-летию композитора.

Интересную версию представил публике Сергей Рыцарев-Абир, которая поражает слушателей необычной оркестровкой. Это не просто обычное переложение для симфонического оркестра, в этой версии чувствуется стиль Чайковского, будто бы он сам мыслил его таким, создав именно для оркестра. Яркими картинами перед слушателям показаны эти небольшие пьесы. Исследователи отмечают, что именно в этом варианте есть то, что удалось воплотить лишь Михаилу Плетневу – логика оркестрового масштаба. Сам автор отмечал, что при работе руководствовался одним правилом. Он изначально мыслил цикл Чайковского лишь как набросок, а если быть точнее, то как фортепианное переложение уже существующего (гипотетически) симфонического произведения. Это позволило ему по-новому взглянуть на произведение и преодолеть привязанность к фортепиано. В некоторых моментах, ему пришлось даже дописать несколько вступительных тактов к миниатюрам, чтобы не разрушить концепцию всего замысла.

Примечательно, что этот фортепианный цикл Чайковского не имеет границ во времени. Его знают, ценят и любят слушатели, исполнители разных стран мира. Не одно десятилетие юные музыканты воспитывались на этих простых и таких понятных пьесах, которые представляют собой настоящие жемчужины русской классической музыки. «Времена года» удивительное произведение, которое обладает особой притягательностью, не утраченной за все время существования и в этом его главное достоинство.

15.12.2020, 09:31:42

Шопен Фантазия-экспромт

Фантазия-экспромт является одним из самых загадочных произведений, сочиненных Фредериком Шопеном. Это неповторимая музыка способна зажигать сердца. Волнующая и совершенная, фантазия-экспромт является одной из самых часто исполняемых композиций среди виртуозных пианистов.

История создания

Фредерик Шопен начал сочинение фантазии-экспромта в конце 1834 году и закончил произведение в 1835. Но опубликовано оно было лишь только после смерти композитора. Близкий друг Шопена композитор и пианист Юлиан Фонтана опубликовал фантазию-экспромт в отдельном опусе №66. Сочинение вышло в свет в 1855 году.

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

У многих музыковедов возникал вопрос, почему автор написал столь поэтичное и возвышенное произведение и не представил его публике? Некоторые из теоретиков, а именно Эрнст Остер и Джеймс Ханекер, предполагали, что причиной тому послужило значительное сходство с «Лунной сонатой» Людвига ван Бетховена. Другие же заявляли, что автор намеренно не отдал композицию на публикацию, так как музыка была слишком личной.

Более века музыковеды не могли найти единения в собственных мнениях. В 1960 году в Париже состоялся аукцион. Среди редких экспонатов был представлен музыкальный альбом, принадлежавший баронессе д’Эсте. Столь ценный предмет был выкуплен всемирно известным пианистом Артуром Рубинштейном. Именно в этом сборнике и находился оригинал нотной записи фантазии-экспромта. На титульном листе Шопен подписал «Сочинено для баронессы д’Эсте Фредериком Шопеном».

Загадка неопубликованного сочинения заключалась лишь в том, что произведение было написано на заказ. Баронесса была большим поклонником творчества композитора-романтика. Она отлично владела фортепиано и коллекционировала сочинения от известных в те времена музыкантов. Августа Эмма при первой же возможности заказала у Шопена произведение. Автор бережно отнесся к задаче, он прописал каждый нюанс, фразировку, штрихи, акценты. В его же столе остались рукописи, лишенные деталей.

В 1962 году Артур Рубинштейн опубликовал фантазию-экспромт до-диез минор совместно с компанией G.Schirmer.Inc. В данном издании пианист написал собственное предисловие, в котором выдвинул предположение, что Шопен не хотел публиковать произведение, так как сочинял его на заказ, специально для баронессы.

Интересные факты

Название «Фантазия-экспромт» было дано Юлианом Фонтана, который опубликовал произведение Шопена в посмертном опусе 66.

Оригинал хранится в нотной библиотеке знаменитого советского и русского пианиста Артура Рубинштейна.

Подлинность нотной записи в музыкальном альбоме баронессы подтверждена французскими властями.

На титульном листе написано посвящение баронессе Августе Эмме д’Эсте. Существует версия, что композитор писал композицию на заказ, поэтому дальнейшая публикация не состоялась.

Нотная запись фантазии-экспромта, переписанная рукой автора в альбом баронессы д’Эсте, является более содержательной по динамике, штрихам и примечаниям в отличие от записи, опубликованной Юлианом Фонтана. Это еще раз подтверждает, что композитор полностью закончил работу над произведением.

Знаменитый пианист Генрих Нейгауз всего лишь одним польским словом охарактеризовал драматургическую линию в произведении – zal. Это слово переводится на русский язык, как сожаление, меланхолия.

Существует версия, что Юлиан Фонтана опубликовал неизданные произведения Шопена против воли автора. Предчувствуя близкий уход Фредерика, Юлиан хотел попросить одобрение композитора на публикацию в отдельных изданиях всех рукописей произведений, на что получил решительный отказ без объяснения причины. После смерти Фонтана издал 7 посмертных опусов, в том числе «Фантазию-экспромт».

Содержание фантазии-экспромта

Фантазия-экспромт – это воссозданный композитором через звуки мир, наполненный переживаниями и чувствами. Триольное движение в аккомпанементе вызывает яркие ассоциации с неспокойными волнами. На их фоне появляется мелодия, она будто встревоженный странник, ищущий в стихии ответы на вопросы. Прорывающиеся акценты на слабые доли в мелодической линии подчеркивают меланхолическое настроение и создают ощущение беспокойства. Поток мысли срывается в конце первой части нисходящими аккордами, погружающими в ре-бемольный идеальный мир.

Контрастная средняя часть в произведении удивительно гармонична и возвышенна. Она наполнена светом, легкостью и прозрачностью. Словно воспоминания, навеянные грустью и тоской, вновь оживают в сознании и превращаются в реальную картину. Фактурный аккомпанемент поддерживает и расцвечивает мелодию, дополняя ее нежный и хрупкий образ.

Но спокойствие не может длиться вечно в душе романтического героя, который находится в поиске. Он вновь возвращается к буре, к безбрежным волнам к первоначальному мотиву в мрачном до-диез миноре. Его дом – это бушующее море, не знающее тишины.

Использование музыки фантазии-экспромта в фильмах, сериалах

Фантазия-экспромт является достаточно популярным произведением Фредерика Шопена. Невероятная взволнованность музыкального материала позволяет режиссерам передать особое настроение в кино. Именно поэтому произведение столь часто используется в кинематографе.

Холодная война (2018);

Зверь (2017);

Остановись и гори (2014);

Симпсоны (2009);

Джобс: империя соблазна (2013);

Магия, магия (2013);

Любовь с препятствиями (2012);

Берни (2011);

Милдред Пирс (2011);

Люди в деревьях (2008);

Трудности перевода (2003);

Дом сестер Эллиот (1992);

Экспромт (1991);

В этой музыке гений Шопен смог найти удивительные краски. Его палитра включает в себя светлые и темные тона, но они не создают ярко выраженного контраста. Наоборот, каждый оттенок дополняет и украшает картину. Фантазия-экспромт – это музыка, которая тревожит и успокаивает, волнует и дает надежду. Это настоящая жизнь, выраженная звуками фортепиано.

Асы в небе (1976).

Изменено 15.12.2020, 09:33:06 пользователем Ульф

19.12.2020, 13:10:54

Иоганн Себастьян Бах «Шутка»

«Шутка». Это жизнерадостное по своему характеру произведение, являющееся последней частью «Оркестровой сюиты» №2 великого Иоганна Себастьяна Баха, в XX веке стала одним из самых популярных произведений из репертуара музыкантов-флейтистов. Быстрый темп пьесы и сложность музыкального материала во всей красе способны продемонстрировать истинное мастерство виртуозного исполнителя.

История

Композиторы XVIII века считались мастерами с особыми умениями, необходимыми и ценными для общества, поэтому Бах и его коллеги обучали музыке сыновей точно так же, как гончар или сапожник передавал ремесло своим детям. Музыкальные сочинители в то время пользовались особым уважением и были весьма почитаемыми людьми, так как они обычно являлись либо членами дворянской семьи, либо занимали авторитетные должности в церквях или в хоровых школах. Помимо этого композиторы служили у разных богатых вельмож, ведь практически у каждого правителя в Европе имелся какой-либо музыкальный коллектив и, несомненно, капельмейстер, который обязательно должен был сочинять новые произведения.

До и после своего пребывания в Кётене с 1717 по 1723 год, Бах работал в церквях и школах хористов, но во время своей шестилетней службы у Леопольда, принца Ангальта Кётенского, сочинение кантат и хоралов, которые раскрыли Иоганна Себастьяна как истинного гения, ему пришлось отложить. Вместо этого композитор обратил своё творчество к светским жанрам, поскольку он руководил оркестром, и для выступлений на концертах нужна была совсем иная музыка. Большинство светских инструментальных работ Баха, среди которых числится «Оркестровая сюиты» №2, а вместе с ней и вышеупомянутая «Шутка» (Badinerie) относится именно к этому шестилетнему кётенскому периоду.

После смерти Иоганна Себастьяна его рукописи – бесценные плоды его результативной работы были поделены между двумя его старшими сыновьями. Некоторые из работ кётенского периода жизни композитора были отправлены Вильгельму Фридеману и, к сожалению, утеряны. Другие же, те которые попали в руки Карла Филиппа Эммануила, сохранились и, как предполагается, содержали около половины инструментальных произведений, написанных Иоганном Себастьяном в Кётене. Среди этих работ «Бранденбургские Концерты» и четыре «Оркестровые сюиты».

Точную дату, для которой Бах написал «Оркестровую сюиту» №2, исследователи творчества композитора нам не указывают. Теперь вероятно, это так и останется загадкой, однако блестящие танцы и яркий звук сольной флейты, безусловно, предполагают какое-то весёлое празднование по поводу счастливого знаменательного события. Стало известно только то, что Бах редактировал это произведение и после 1723 года исполнял его в рамках своих концертов с ансамблем «Collegium Musicum» в Лейпциге. В нынешнее время рукопись партитуры Баха не сохранилась. Остались только партии заново отредактированные композитором в 1739 году.

Интересные факты

Некоторые исследователи творчества Баха считают, что изначально в «Шутке» сольный голос композитор намеревался поручить скрипке или гобою, но впоследствии передумал и написал партию для флейты.

Аналогичное более раннее сочинение есть у двоюродного брата композитора Иоганна Бернхарда Баха, которое, возможно, и вдохновило Иоганна Себастьяна на создание «Оркестровой сюиты» №2.

Когда Иоганн Себастьян Бах работал в Кётене, то они с Георгом Фридрихом Генделем находились всего в несколько километрах друг от друга. Ранее композиторы никогда не встречались. В 1719 году Бах совершил 35-километровое путешествие из Кётена в Галле с намерением познакомиться с Генделем, однако Георг Фридрих в то время, к сожалению, покинул город. Так композиторы никогда и не увиделись.

Жанр сюиты был чрезвычайно популярен в Германии во времена Баха, однако композитор проявлял к нему гораздо меньший интерес, чем его современники. До наших дней дошли 135 сохранившихся сюит Телемана, и это лишь часть тех, которые он написал. Кристоф Граупнер сочинил 85 сюит, а Иоганн Фридрих Фаш почти 100.

Бах и Гендель в сюитах сочиняли так называемые стилизованные танцы, которые предназначались для прослушивания, а не для танцев. Они отличались тем, что в них допускалось гораздо больше различных музыкальных украшений.

Во всех оркестровых сюитах Баха используются традиционные французские танцы.

«Шутка» Баха звучит в таких известных фильмах, как «1+1» (2011), «Отец невесты» (1991) и телесериале «Доктор Кто».

Содержание «Шутки» Баха

Оркестровые сюиты представляют собой циклы небольших пьес различных танцевальных жанров с предварительным вступительным разделом в стиле французской увертюры, формы, к которой немецкие композиторы 17-го и начала 18-го веков проявляли особый интерес. В результате сюиты иногда называли «увертюрами» или «французскими сюитами». В «Оркестровую сюиту» №2 Иоганн Себастьян Бах помимо «Увертюры» и следующим за ней «Рондо» включил ещё четыре различных танца, а заключил цикл задорной пьесой «Badinerie», что в переводе с французского означает шутка.

У «Шутки» из-за быстрого темпа и изящного ритма очень легкий и веселый характер. Она, как и все пьесы, входящие в сюиту №2, написана в тональности си минор. Произведение заключено композитором в двухчастную форму, каждый из разделов которой повторяется. Важно также отметить, что части между собой тематически связаны.

«Шутка» по своему складу - это полифоническая пьеса, в которой партии сольной флейты, первой и второй скрипки, альта и бассо континуо движутся независимо друг от друга, при всём при этом здесь сильно ощущается чувство гармонии. В данном произведении композитор использует такие способы развития музыкального материала, которые были особенно распространены в эпоху барокко, то есть секвентность и вариационность. В пьесе явно прослеживается, как одна и та же тема представлена на протяжении всего произведения в разных вариантах.

«Badinerie» или «Шутка» - эта скерцеобразная пьеса из «Оркестровой сюиты» №2 Иоганна Себастьяна Баха сегодня пользуется большой популярностью. Она часто звучит на концертных площадках, так как любима и слушателями и исполнителями, потому что это энергично ... игриво ... виртуозно ... и просто весело.

27.12.2020, 07:01:40

Франц Шуберт «Серенада»

«Лебединая песня». Таким красивым и символическим названием друзья Франца Шуберта - австрийского композитора, одного из основоположников романтизма в музыке, озаглавили сборник его последних произведений, в который вошли так называемые прощальные песни, ставшие своеобразным творческим завещанием великого музыканта. Вокальный цикл, состоящий из четырнадцати разных по стилю композиций, весьма востребован исполнителями, однако самым популярным номером является «Серенада». Эта вокальная миниатюра символизирует не только творчество Шуберта, но и все песни периода Романтизма.

История

В жизненном пути Франца Шуберта 1828 год был весьма плодотворным, но, к сожалению последним. Композитор завершил цикл вокальных миниатюр «Зимний путь», и в издательстве даже напечатали его первую часть. Затем друзья Франца усердно постарались и организовали концерт, состоявший только из сочинений маэстро. По полностью заполненному залу и восторженной реакции слушателей было очевидно, что жители Вены восхищаются музыкой Шуберта.

В ту пору в жизни Франца вроде бы тоже всё налаживалось. Он примирился с отцом, и его быт вновь был обустроен. Однако теперь тридцатиоднолетнего композитора больше всего волновало его здоровье, состояние которого с каждым днём ухудшалось. Несмотря на плохое самочувствие, Шуберт продолжал много сочинять, так, например, в тот период из-под пера музыканта вышли шесть композиций на стихи Генриха Гейне, впоследствии вошедшие в сборник «Лебединая песня». Помимо того, встретившись с Антоном Шиндлером - скрипачом, дирижёром и искусствоведом, являвшимся помощником, а затем и биографом самого Бетховена, Франц узнал, что после кончины маэстро остались некоторые поэтические тексты, для которых тот не успел сочинить музыку. Поскольку Бетховен для Шуберта был кумиром, то Франца вдохновило уже то, что на эти стихи обратил внимание гениальный композитор, оставивший на листах свои пометки. Шуберт был горд тем, что сможет закончить работу, которую не успел завершить великий Бетховен. Так появились семь песен на тексты Людвига Рельштаба, в числе которых была знаменитая «Серенада».

После безвременной смерти композитора эти вокальные миниатюры брат Франца продал владельцу венского нотного издательства Роберту Хаслингеру. Впоследствии они были напечатаны в составе сборника, именованным «Лебединой песней».

Интересные факты

Ставшую столь популярной «Серенаду» Франц Шуберт сочинил на стихи немецкого журналиста, музыкального критика и поэта Людвига Рельштаба, который весной 1825 года совершил поездку из Берлина в Вену, чтобы специально встретиться с Людвигом ван Бетховеном и показать ему свои стихи. Впоследствии Рельштаб был весьма недоволен тем, что его тексты попали к Шуберту и высказывал по этому поводу своё негативное мнение. Однако вскоре поэту пришлось смириться, так как шубертовские песни на его стихи приобрели непомерную популярность.

Поэтические тексты Рельштаба непреднамеренно объединили двух величайших композиторов. Забавно, что Бетховен и Шуберт жили в одно и то же время в Вене, занимались композицией, но никогда не общались друг с другом.

На русский язык стихотворение Рельштаба весьма вольно перевёл замечательный русский поэт Николай Огарёв, который после личной встречи с автором текста, назвал его "несносным существом".

Впоследствии русские поэты к музыке «Серенады» сочиняли много новых текстов. Например, очень красивы стихи Евдокии Ростопчиной, написанные в 1846 году и опубликованные под названием «Соловью».

В нынешнее время «Серенада» Шуберта пользуется большой популярностью и имеет многочисленные аранжировки и переложения. Особого внимания заслуживает транскрипция выдающегося венгерского композитора Ференца Листа, очень любившего творчество Франца Шуберта.

О популярности «Серенады» Шуберта говорит тот факт, что кинорежиссёры часто вставляют это произведение в саундтреки своих фильмов. Вот некоторые из них: «Молодая Виктория» (2009), «Дежа Вю» (1997), «Серый свет ноября» (1993), «Приключения Майло и Отиса» (1986), «Приходите завтра» (1963), «Джейн Эйр» (1934).

«Серенаду» Франца Шуберта также часто именуют «Вечерней серенадой» или «Ночной серенадой».

Содержание «Серенады» Шуберта

«Серенада» Франца Шуберта вошла в сборник «Лебединая песня» под номером четыре. Это романтическая песня, которую молодой человек в поздний час, изливая свои чувства, исполняет для своей возлюбленной. Нежно обращаясь к ней, он с мольбами просит о скорой встрече.

Композиция, написанная в трёхдольном размере и тональности ре минор, заключена Шубертом в куплетную форму и имеет небольшое вступление и достаточно развёрнутое заключение.

Серенада открывается четырёхтактовым инструментальным вступлением. Его равномерные гармонические созвучия впоследствии будет звучать в аккомпанементе на протяжении всего произведения. Далее начинается плавно льющаяся серенада, лёгкая и изящная мелодическая линия которой украшена триолями. После первого и второго предложения в первой части, которая представляет собой период, композитор вставляет инструментальные проигрыши, имитирующие мелодические концовки вокальной партии. Вторая часть куплета – тоже период, заканчивается мечтательно настроенным проигрышем. Затем следует репризно повторяющийся второй куплет, а после него кода, в которой мелодия становится более взволнованной, страстной и призывной.

«Серенада» Франца Шуберта — этот бессмертный шедевр музыкальной драматургии ХIХ века волнует души людей уже почти два столетия. Певучая, полная чувства мелодия гармонирует с настроением человека, так как сильная музыка, отражающая искренность любовного восторга, задевает самые тонкие струны его души.

31.12.2020, 10:50:51

"Грезы любви" Ференц Лист

Тихая и грустная музыка Ференца Листа - Грезы Любви (Ноктюрн N3 S 541).
Посвящена она Каролине Петровне Витгенштейн, самой большой любви в жизни великого композитора. История любви, к сожалению, трагична и не имеет счастливого конца, но благодяря ей мировая музыкальная культура обогатилась множеством прекрасных мелодий. В феврале 1847 года Лист давал концерты в Киеве. Билеты стоили по рублю, что было в те времена совсем не малыми деньгами. И вот некая дама платит за билет на один из его благотворительных концертов не рубль, а сто. Кто же эта щедрая душа?

Вскоре стало известно, что даму зовут Каролиной Петровной, она умна и очень хороша собой. Каролине Петровне двадцать восемь лет, она замужем за князем Николаем Сайн-Витгенштейном, сыном российского фельдмаршала, и у нее есть маленькая дочь Мария.

Лист поблагодарил в письме таинственную Каролину за столь щедрое пожертвование, а она в ответ пригласила маэстро в свое роскошное имение Вороницы неподалеку от Киева. На следующее утро к отелю подкатила карета княгини Витгенштейн, и вскоре Лист оказался в Вороницах.

Каролина призналась, что не пропустила ни одного концерта Листа в России, что давно увлечена его музыкой, и что давно порывалась написать ему. И вдруг словно искра пробежала между ними. Не оглядываясь назад, Каролина всею силой страстной души решает порвать с прошлым, даже если в будущем ей будут грозить нищета и бесславие. И единственный человек, с которым она может представить себе новую жизнь, – Ференц Лист.

"Поверьте мне, Каролина, что я так же схожу с ума, как Ромео, если, конечно, это можно назвать сумасшествием... Петь для вас, любить вас и доставлять вам удовольствие; я хочу сделать вашу жизнь красивой и новой. Я верю в любовь – к вам, с вами, благодаря вам. Без любви мне не нужны ни небо, ни земля. Давайте же любить друг друга, моя единственная и славная Любовь. Богом клянусь, что люди никогда не смогут разлучить тех, кого навеки соединил Господь..."

Лист не хочет снова оказаться в двусмысленном положении: ему нужна не любовная интрига, а законный союз. Он уже устал быть странствующим музыкантом и мечтает об уютном доме и любящей жене. Однако разводы были недопустимы для русских аристократов. Ни князь Витгенштейн, ни император Николай I не дают Каролине разрешения на развод. Более того, когда семья узнала о намерениях Каролины связать свою судьбу с музыкантом, то решила... упрятать Каролину в сумасшедший дом или монастырь.

Тогда решительная женщина продала все ценное, что у нее было, взяла маленькую Манечку и в одну из вьюжных зимних ночей решилась на побег из России.

На границе офицер пограничной стражи, давний почитатель красоты и щедрости Каролины, сказал ей: "В связи с беспорядками в Европе получен приказ закрыть русскую границу. Но я задержу приказ до того момента, когда Ваше сиятельство не очутится за ее пределами". Каролина стала, как сейчас говорят, невозвращенкой. За это на родине ее лишили титула и всех имущественных прав.

Каролина и Ференц Лист поселяются в Веймаре. Сам Лист «веймарский» период называл самым счастливым в своей жизни. Благодаря Листу маленький Веймар стал центром музыкальной культуры Европы.

Каролине удается доказать, что родители выдали ее замуж против воли, когда она была еще несовершеннолетней. Новый российский император Александр II дает согласие на развод. Однако требуется еще подтверждение папы римского. Каролина получает и это подтверждение. Венчание Ференца и Каролины назначено на 22 октября 1861 года в Риме. Алтарь церкви Сан-Карло на улице Корес уже украшен живыми цветами, но неожиданно к Каролине и Ференцу является секретарь папы и сообщает, что венчание отменяется.

В такой ситуации Каролина впадает в психический транс, неожиданно для всех она принимает эту весть как Божье веление и категорически отказывается от венчания, посвящая себя служению церкви. Она занимается исключительно изучением религии, а так же пишет объемный труд из 24 томов. Лист часто наносит Каролине визиты пытаясь вернуть ее к жизни, но тщетно - они больше не понимают друг друга. Все чаще Листу приходит в голову мысль остаться в Ватикане, писать исключительно духовную музыку, посвятив остаток жизни служению церкви.

И когда приходит весть о том, что князь Витгенштейн скончался и Каролина отныне – свободная женщина, Лист совершает абсолютно неожиданный поступок. Объяснить его не могут ни биографы, ни давние друзья композитора. В зените своей славы он постригается в монахи, и становится аббатом.

В своем завещании Ференц Лист написал: "Всем, что я сделал за двенадцать последних лет, я обязан женщине, которую я страждал назвать своей супругой, чему, однако, мешали зло и мерзкие интриги отдельных людей. Имя этой любимой женщины – княгиня Каролина Витгенштейн. Она – источник всех моих радостей и исцелительница моих страданий".

31.12.2020, 21:33:52

Франц фон ЗУППЕ – Лёгкая кавалерия / Franz von SUPPÉ – Leichte Kavallerie

Либретто Карла Косты

Премьера: 21.3.1866, "Карлстеатр", Вена

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

Действие происходит в Австро-Венгрии в 19 веке. В основе сюжета – история о бедной сироте красавице Вильме, которая, преодолев ряд интригующих и комических ситуаций, смогла не только воссоединиться с возлюбленным Германом, но и найти своего отца – гусарского вахмистра Яноша.

В то время как большая часть оперетты "Легкая кавалерия" остается в относительной безвестности, редко исполняется или записывается, увертюра к ней является одним из наиболее популярных произведений Зуппе. Главная тема увертюры неоднократно цитировалась музыкантами, мультфильмами и другими СМИ.

Войти

Шедевры классической музыки

Рекомендованные сообщения

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Skipper_SPb 458

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Skipper_SPb 458

Ссылка на комментарий

Хоттабыч 16,361

История создания и роль национальной музыки

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Хоттабыч 16,361

История создания

Ссылка на комментарий

Хоттабыч 16,361

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Хоттабыч 16,361

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Ульф 3,208

Ссылка на комментарий

Хоттабыч 16,361

Ссылка на комментарий

Присоединиться к обсуждению

Лучшие авторы в этой теме

Популярные дни

Лучшие авторы в этой теме

Популярные дни

Популярные сообщения

Ульф

Ульф

Ульф

Skipper_SPb

Ульф

Ульф

Ульф

Skipper_SPb

Сейчас на странице 0 пользователей