Шедевры классической музыки

[Ульф 3,208]

Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы увидеть скрытое содержимое.

В этой теме произведения классической музыки и их описание

Бах- Органная токката и фуга

Бах- Шутка

Бах Хорошо темперированный клавир

Бетховен- Лунная соната

Вагнер Р- Полёт валькирий

Вивальди А- Времена года

Гендель- Sarabanda

Дворжак А- Симфония № 9

ЗУППЕ Ф- Лёгкая кавалерия
Кармина Бурана

Лист Ф "Грезы любви"

Моцарт В.А- Симфония №40

Моцарт В А «Турецкий марш»

Свиридов Г- Вальс

Чайковский П.И. Балет "Спящая красавица"

Чайковский П.И- Щелкунчик

Чайковский П.И- Времена года

Шопен Фантазия- экспромт

Шостакович Д.Д- Ленинградская симфония

Штраус И- Вальсы

Штраус И- Летучая мышь

Шуберт Ф «Серенада»

 

Изменено 30.01.2021, 09:47:57 пользователем Ульф
Улучшение шапки темы.

[Ульф 3,208]

Чайковский П.И. Балет "Спящая красавица"

      Балет «Спящая красавица» - сказочный спектакль, восхитительная феерия, которая захватывает зрителя как своей яркой и торжественной визуальной составляющей вкупе с музыкальной темой авторства великого Чайковского, так и глубинным философским подтекстом. Балет в трех действиях поставлен по сюжету известной всем с детства сказки Шарля Перро о заснувшей на сотню лет принцессе, которую пробудил от ее колдовского сна только поцелуй прекрасного принца.

      Создавая партитуру для этой постановки, Чайковский в полной мере раскрыл свой легендарный талант, возведя музыку для балета из ранга «подчиненного состояния» в сопровождении танца, в сложное и открывающее новые горизонты произведение. Великолепная музыка, превосходные танцы и праздничные декорации на два с половиной часа возвращают зрителя в волшебный мир детства.

Действующие лица

Принцесса Аврора юная красавица, дочь короля и королевы

Король Флорестан XIVотец Авроры

Королева супруга короля и мать Авроры

Карабос злая фея

Дезире прекрасный принц

Каталабют старший дворецкий короля Флорестана

Принцы, сватающиеся к Авроре Шери, Шарман, Флер де Пуа, Фортюне

Шесть добрых фей Сирени (крестная Авроры), Кандид, Флёр-де-Фарин, Хлебная Крошка, Канарейка, Виолант 

     Краткое содержание «Спящей красавицы»

     За открывшимся занавесом зрителя ожидает роскошное празднество, устроенное королем Флорестаном в своем дворце по случаю крестин новорожденной принцессы Авроры. Среди гостей присутствуют шесть добрых фей, прибывших, чтобы наградить маленькую дочь короля волшебными дарами. Однако всеобщее веселье внезапно сменяется ужасом, когда в бальный зал врывается злобная и могущественная фея Карабос, разъяренная тем, что ее забыли пригласить на королевское торжество. Она желает отомстить и накладывает на крошку Аврору страшное заклятие, согласно которому принцесса в день своего совершеннолетия на веки вечные заснет, уколов палец обычным ткацким веретеном. После ухода Карабос крестная Авроры, фея Сирени старается смягчить мрачное заклятие, рассказав опечаленной королевской чете, что надежда на благоприятный исход дела есть и их дочь заснет не навсегда, а на 100 лет, а разбудить ее сможет поцелуй прекрасного принца.

      В день совершеннолетия Авроры король Флорестан вновь устраивает пышное торжество в саду своего дворца. Дворецкий Каталабют зачитывает указ правителя, гласящий, что каждый, кто пронесет в замок веретено или другие острые предметы, отправится в темницу. Сурового наказания едва успевают избежать придворные ткачихи, которые оказались во дворце со своими рабочими инструментами.

      В ходе праздника к красавице принцессе сватаются многочисленные знатные и богатые женихи, которые хороши собой, происходят из королевских семей, галантны и достойны. Но никто из них не способен пленить сердце молодой девушки. Внезапно Аврора замечает в углу сада старуху, в руках у которой веретено. Девушка подбегает к ней, берет веретено в руки и начинает кружиться с ним в танце, воображая, будто она танцует с возлюбленным. Неосторожно касаясь острого конца веретена, Аврора падает, потеряв сознание, и впадает в глубокий сон. Созванные на бал принцы бросаются, чтобы схватить виновницу несчастья, но старуха, которой обернулась, как оказывается, злая фея Карабос, громко хохочет и исчезает, довольная свершившимся злодеянием. Крестная фея Сирени решает помочь королевской семье в этом невообразимом горе и погружает весь двор в сон вместе с Авророй на целых 100 лет, чтобы все смогли стать свидетелями обещанного чудесного пробуждения принцессы.

     Минул век, и вот, пробираясь сквозь густые заросли во время охоты, прекрасный принц Дезире попадает вместе со своей свитой в заброшенный сад. Охотники и сопровождающие начинают танцевать и веселиться здесь. Вдруг на величественной ладье по реке выплывает уже знакомая зрителю фея Сирени. Явившись принцу, она указывает ему путь к замку, где застыли на столетие король и королева, слуги и придворные, где мирно покоится все такая же юная Аврора. Принц в изумлении рассматривает открывшуюся перед ним картину — замершие без движения люди. Он окликает короля, дворецкого, но не получает ответа, а затем замечает и спящую красавицу Аврору. Принц настолько поражен удивительной красотой девушки, что тут же склоняется, чтобы поцеловать ее. От нежного поцелуя принцесса просыпается, а замок и все его обитатели оживают в тот же миг. Принц Дезире просит руки Авроры у ее царственного отца. Сказка завершается торжественной свадебной церемонией молодых.

     Интересные факты

Каждый акт балета являет собой самостоятельное произведение, подобно части симфонии — замкнутой и полноценной по своей форме.

Спектакль имеет глубокий философский смысл, противопоставляя фею Сирени и фею Карабос, что олицетворяет извечную борьбу добра и зла, а итогом сказки становится всепобеждающая сила чистой любви Авроры и Дезире.

До Чайковского эту сказку в виде балета ставил французский композитор Герольд, который создал постановку под названием «La Belle au bois dormant» («Красавица спящего леса») в 1829 году.

Балет стал одной из самых дорогих премьер Мариинского театра — на него было выделено 42 тысячи рублей (четверть годового бюджета театров Петербурга).

Сценографию для балета 2011 года в Москве ставил художник Эцио Фриджерио, ставший лауреатом кинопремии «Оскар» за свою работу в съемках фильма «Сирано де Бержерак».

Имя короля Флорестана XIV в честь короля Франции Людовика XIV, считающегося одним из основателей балетного жанра.

Автор писал музыку для балета, путешествуя по Европе, и за время работы над «Спящей красавицей» посетил Париж, Марсель, Тифлис, Константинополь, а затем, вернувшись в Москву, предоставил готовую работу.

Всеволжский решил поставить балет по французской сказке из политических мотивов, горячо поддерживая курс царя Александра III к сближению с Францией.

Балетмейстер и постановщик «Спящей красавицы» Мариус Петипа родился в Бельгии и с 9 лет принимал участие в постановках, поставленных его отцом. С 1847 года и до конца своей жизни он жил и работал в России.

В модернистской постановке Мэтью Борна 2013 года Аврора влюблена в королевского садовника по имени Лео, а источником зла является сын злой ведьмы, который хочет отомстить за свою мать.

В 1964 году был снят советский фильм-балет «Спящая красавица», где был задействован балетмейстер Сергеев. Главную роль в фильме исполнила балерина Алла Сизова, за что была удостоена французской премии академии танца.

      Музыка

      Несмотря на то, что балет был создан на основе старинной французской сказки, музыка, написанная Чайковским, в своей лирической составляющей и эмоциональной насыщенности — абсолютно русская. В этом балете каждая музыкальная часть является ярким шедевром, развиваясь от сцены к сцене и завершаясь апофеозом торжества любви в форме большого адажио в финале спектакля.

Своим творчеством Чайковский не просто описывает сюжет, он отражает противоречия внутреннего мира человека, ту вечную борьбу света и тьмы, которая идет в душе каждого вне зависимости от эпохи и страны. Музыкальное сопровождение становится завершающим штрихом повествования, его неотъемлемой частью.

     Музыка великого маэстро за все десятилетия постановок «Спящей красавицы» подвергалась различным изменениям. Точную хронологию этих изменений во время существования балета в императорском театре можно было восстановить только из афиш. Так, почти сразу после начала показа третий акт лишился медленной Сарабанды, а чуть позже — вариаций феи Сирени, а из сюиты танца крестьян был исключен менуэт. В 20-е годы XX века в прологе сократили сцену появления феи Карабос и сцены танцев охотников.

      Каждый постановщик балета «Спящая красавица» изменяет оригинальную партитуру тем или иным образом в соответствии с собственными представлениями.

История создания «Спящей красавицы»

      Премьера балета состоялась 3 января 1890 года на сцене Мариинского театра и произвела настоящий фурор. Идея воплотить эту потрясающую сказку на сцене пришла в голову директору Императорских театров Всеволжскому Ивану Александровичу, который помимо своей высокопоставленной службы занимался литературой, писал сценарии и был известен как яркий театральный деятель своего времени. Именно Всеволжский вместе с известным балетмейстером Мариусом Петипа занялся написанием либретто для постановки. Основой сцен и общего духа балета стало великолепие двора времен правления Луи XIV, а величественная музыка должна была соответствовать и раскрывать сказку с новой стороны. Директор театров настолько проникся балетом «Спящая красавица», что даже собственноручно занимался созданием эскизов для костюмов актеров.

      Написать музыкальное сопровождение для спектакля было предложено Петру Ильичу Чайковскому. Всеволжский и Петипа предоставили композитору исключительно точный план балета, который был просчитан буквально до каждого такта, поэтому от музыканта требовалась очень точная и трудоемкая работа. Тот, в свою очередь, создал поистине уникальное произведение, которое стало настоящим прорывом в сфере балетной музыки того времени. Подняв планку очень высоко, «Спящая красавица» стала своеобразным эталоном на долгие годы, впервые сделав музыку для балета высочайшей категорией искусства.

      Хореография постановки не отставала от музыкальной темы —М. Петипа воплотил совершенство движений в каждом акте, сделав танец невероятно логичным и продуманным до мельчайших деталей. Именно благодаря его стараниям «Спящая красавица» превратилась в хрестоматию классического балета, вобрав в себя все самые изысканные и тончайшие его элементы.

«Спящая красавица» стала не только самой красивой, но и самой дорогой постановкой Мариинского театра, а также по сей день остается признанным шедевром балетного искусства.

    «Спящая красавица» признана настоящим мировым шедевром балетного искусства, задав высокий стандарт для многих поколений вперед. Ошеломительный успех спектакля в 1890 году, когда в зале Мариинского театра присутствовала царская семья, эхом аплодисментов повторяется и в наши дни. Бессмертная музыка Чайковского, классическая хореография с оригинальными элементами или вовсе видоизмененная, роскошные декорации и изысканные костюмы, волшебство детской сказки и глубинные проблемы извечных философских вопросов — все это слилось в невероятное по красоте и помпезности зрелище, которое непременно стоит увидеть.

[Ульф 3,208]

Гендель- Sarabanda

 

       Сарабанда – медленный величественный танец, популярный в эпоху Барокко. Произошла сарабанда из Испании, и тогда, в XVI веке это был быстрый, озорной и темпераментный танец. Исполнялась сарабанда под удары барабана, кастаньет и гитары, нередко сопровождалась пением. С XVII века сарабанда «замедлилась» и стала придворным танцем. Танец приобрел торжественный характер и вошёл в барочную сюиту в качестве медленной части. Наивысшего расцвета сарабанда достигла в творчестве Иоганна Себастьяна Баха и Георга Фридриха Генделя. Её отличительными признаками являлись медленный темп, характер шествия, трёхдольный метр, акцент на второй доле такта. В творчестве композиторов ХХ века сарабанда становится объектом стилизации.

       В истории танцевальной музыки, наверное, не часто бывает  то, что случилось с сарабандой.  Сначала это был весёлый танец, может быть, танец урожая, резвый, озорной, с соблазнительными объятиями партнёров, под звуки барабана и неустанных  кастаньет.  И как любил его народ, особенно молодой!
      Но строгим  каноникам католической церкви он был, очевидно, поперёк души. Ведь танец развращал прихожан, снижал уровень их нравственности!  Что-то надо было с этим делать, и придумали:  запретить фривольность!  Когда же запрет не помог, был предпринят новый хитроумный ход:   лёгкую  мажорную музыку сарабанды заменили  минорной,  мрачной музыкой, пригодной для похоронных процессий.
     Позже танец появился при королевском дворе, приобретя торжественный и величественный характер. Вот в таком облагороженном виде сарабанда распространилась во всей Западной Европе.

     Яркий пример сарабанды можно найти в сочинении Генделя - сюите № 7 соль-минор.

 

   

       Произведение было написано для клавира в 1720 году. Всего цикл содержит 6 пьес, и танец идет под 4-м номером. Сюита - музыкальное сочинение, состоящее из контрастных частей, объединенных единым смыслом. Она в обязательном порядке включает в себя 4 номера: Аллеманду - трехдольный танец немецкого происхождения, прародитель вальса. Куранту - родом из Франции трехдольного размера. Сарабанду. Жигу - вышла из Англии и отличалась подвижным и озорным характером. Помимо выше перечисленных танцев, в нее могут входить менуэты, пассакальи и другие номера. Сарабанда в 7-й сюите наполнена светлой величественной грустью и хорошо контрастирует с другими частями. Гендель не ограничивается одним сочинением, и вторым ярким примером является его произведение для клавесина в тональности ре-минор. В нем также присутствует сарабанда, которая получила большую известность после выхода фильма "Барри Линдон" режиссера Стенли Кубрика. Кинематографист использовал ее не в клавесином, а оркестровом виде, что поспособствовало популярности сочинения.

    

[Ульф 3,208]

Вольфганг Амадей Моцарт «Турецкий марш»

      Великий Моцарт. Учёные уже более двух веков стараются разгадать феномен этого гениального композитора. Почему его поистине божественная музыка так благотворно влияет на здоровье и энергетику человека? Почему она проясняет сознание и повышает интеллект? Вопросов много и возможно люди всё-таки когда-нибудь смогут найти на них ответ. Ну а пока человечество выражает огромную благодарность маэстро за то, что он оставил потомкам столь драгоценное творческое наследие, включающее в себя более шестисот бесценных шедевров, в самых разных музыкальных жанрах. Популярность сочинений Моцарта весьма велика, но среди них есть одно изящное творение, которое завоевало во всём мире особую народную любовь. Композитор назвал это произведение «Rondo alla turca», хотя в простонародье его принято именовать «Турецким рондо» или «Турецким маршем».

 

     История создания

     Несмотря на то, что Османская империя, более двух веков воевавшая с Австрией, была её злейшим врагом, жители Вены XVIII века с большим любопытством относились ко всему турецкому. Их интересовала культура, быт и обычаи этой экзотической страны. В моду вошла удобная одежда османов, а турецкий кофе стал любимым напитком венцев. К числу диковин, вызывающих особое внимание европейцев, относилась музыка турецких янычар. Дело в том, что все военные действия османов сопровождались музыкой в исполнении странного, непривычного для австрийцев оркестра, состоящего из особенных ударных и духовых инструментов. Их специфическое, необычное звучание воспринималось европейцами как нечто варварское, рычащее и гремящее. Тем не менее заинтересованность необычными инструментами была настолько велика, что они стали входить в моду.

     Вольфганг Амадей Моцарт, следуя всеобщему повальному увлечению ко всему восточному, тоже не оставался в стороне. В 1779 году у композитора была возможность продемонстрировать свои способности в зингшпиле на турецкую тему, причем по заказу самого императора, однако, это произведение так и осталось незавершённым. Впрочем, в 1782 году он всё же написал оперу, использовав в ней турецкий сюжет. Этот комический музыкальный спектакль, получивший название «Похищение из сераля» вошёл в историю культуры, как первая опера на немецком языке.

     Спустя год, в июле 1783 года, двадцатисемилетний Моцарт после рождения первенца вместе с женой Констанцией отправился в Зальцбург чтобы помириться с отцом, который даже после свадьбы противился их союзу. Несмотря на все усилия молодой четы, Леопольд своего мнения по этому поводу так и не изменил. По стечению некоторых обстоятельств в Зальцбурге молодая семья Моцартов оставалась до октября, и существуют предположения, что именно в это время композитор в числе других произведений написал фортепианную сонату под номером одиннадцать, третью часть которой он назвал «Rondo alla turca».

 

      Важно отметить, что Моцарт к тому времени, несмотря на то, что был уже автором многочисленных произведений, в Вене был более известен не как композитор, а как виртуозный пианист. Поэтому в первые годы жизни в австрийской столице он в основном зарабатывал на жизнь тем, что занимался преподавательской деятельностью. И работая над своим прекрасным творением, Вольфганг в первую очередь учитывал исполнительские возможности своих учеников.

     Соната №11 Ля мажор впервые была опубликована венской нотоиздательской фирмой «Artaria & Co» вместе с другими фортепианными сонатами композитора в 1784 году.

Интересные факты

     Существует несколько версий о времени сочинения Моцартом фортепианной сонаты № 11, одной из частей которой является знаменитое «Турецкое рондо». Например, австрийский музыковед Людвиг фон Кёхель предполагает, что композитор написал это произведение в Париже в 1778 году.

    Свою первую сонату для фортепиано Моцарт сочинил в 1775 году, а последнюю летом 1789 года. Всего из-под пера композитора вышло 18 фортепианных сонат.

     Помимо оперы «Похищение из Сераля» и «Rondo alla turca» из Ля мажорной сонаты, Моцарт озвучил восточную тему в Концерте для скрипки № 5, также именуемым «Турецким концертом».

До 2014 года считалось, что от Ля мажорной сонаты Моцарта сохранилась только последняя страница, которая находилась в музее Зальцбурга. Однако в том же году заведующий музыкальным архивом Национальной библиотеки имени Сеченьи города Будапешта Балаш Микуси обнаружил в запасниках ещё четыре рукописные страницы «Турецкого рондо». Эксперты подтвердили, что это почерк самого Моцарта, однако теперь они стараются ответить на вопрос, как произведение попало в Венгрию? Существует предположение, что рукопись была разорвана, и каждая её страница преподносилась композитором его богатым покровителям как сувенир.

     Музыкальный материал «Турецкого рондо», найденного в 2014 году в Венгрии, имеет отличие от нот, напечатанных в 1784 году. В авторской редакции произведение было впервые исполнено в Будапеште 26 сентября 2014 года.

    Венцы впервые увидели и услышали военный оркестр янычар в 1699 году: тогда был заключён Карловицкий мир. Интерес к диковинному музыкальному коллективу был настолько велик, что ему пришлось сделать несколько публичных выступлений, собравших большое количество любопытной публики.

   На самом деле турецкие военные строем под музыку никогда не ходили. Звуки оркестра вдохновляли их перед боем и поддерживали во время баталий. На парадных смотрах янычары никогда не маршировали, а ходили обычным и даже пританцовывающим шагом, при этом они выкрикивали возгласы, прославляющие Аллаха. Вероятно поэтому их военная музыка весьма отличается от наших бравурных маршей.

   Турецкий марш - В. А. Моцарт Исполняет монах Авель

     В Турецкой Республике в нынешнее время Моцарт является одним из самых любимых классических композиторов. В Стамбуле каждый год проводится музыкальный фестиваль, который носит имя великого маэстро. В школах города мелодия «Турецкого рондо» звучит как учебный звонок, а популярный турецкий рэпер Джеза придумал слова на музыку этого произведения и снял забавный клип.

    В нынешнее время музыка произведения Моцарта «Rondo alla turca» является визитной карточкой Турции и поэтому всегда звучит на правительственных приёмах этой страны.

    «Турецкое рондо» со временем приобрело такую любовь и популярность, что его музыку в нынешнее время часто используют в саундтреках многих кинолент. Их так много, что перечислить просто невозможно, например, она звучит в вышедшем в прокат в 2019 году биографическом музыкальном фильме «Рокетмен» режиссёра Декстера Флетчера, рассказывающем о жизни, становлении и творчестве музыканта Элтона Джона.

     В анимации музыку «Турецкого марша» можно услышать в таких всеми любимых мультфильмах, как «Рио 2» и « Гриффины», а кроме того она звучит в популярной компьютерной игре Civilization (1991), где представляет немецкую цивилизацию.

    «Турецкий марш» - это ставшее классическим шлягером фортепианное произведение Моцарта и сегодня всё также привлекает своим изяществом, блеском, жизнерадостностью как слушателей, так и музыкантов. Его популярность достигла такой вершины, что переложения и аранжировки гениального шедевра можно услышать в исполнении самых разных инструментов, рок ансамблей, хоровых и симфонических коллективов.

[Ульф 3,208]

И.С. Бах Хорошо темперированный клавир

«Хорошо темперированный клавир» Иоганна Себастьяна Баха можно по праву считать одним из наиболее высоких достижений в мире музыки. Этот цикл, состоящий из прелюдий и фуг – настоящий монументальный труд, который проделал композитор. Впоследствии два тома «ХТК» оказали огромное влияние практически на всех музыкантов, композитов и виртуозов различных стран мира.

История создания

Работу над «ХТК» Бах начал в Веймаре, где композитор пробыл с 1708 по 1717 год. Первый том вышел в 1722 году, когда Иоганн Себастьян жил уже в Кётене. На заглавном листе композитор сделал запись, поясняя для чего именно он задумал свой труд. Там значилось, что он предназначен для обучения молодежи, а также для музицирования уже состоявшимся музыкантам. Второй том Бах написал в Лейпциге в 1744 году, спустя много лет после первого. «Хорошо темперированный клавир» представляет собой два тома, в которых содержится по 24 прелюдии и фуги, написанные в разных тональностях. Как же их расположил композитор?

Октава состоит из 12 звуков, которые и взял за основу маэстро. Он написал свои мини-циклы для каждого звука октавы в мажорных и минорных тональностях. Таким образом, получилось, что в обоих томах содержится ровно по 24 прелюдии и фуги.

Воплотить подобную затею позволила настройка клавира в равномерно темперированном строе, который ввели в обиход лишь в 18 столетии. Ранее использовался другой строй – пифагоров, не позволяющий сочинять произведения во всех тональностях. Это было связано с тем, что в натуральном строе благозвучными были лишь немногие тональности, ведь кратчайшее расстояние между звуками было не одинаковым. Звуки образовывались за счет деления струны, а не октавы. Некоторые исследователи творчества Баха уверены, что за основу он взял не строгую темперацию, а «хорошую темперацию Веркмейстера». Об этом косвенно указывает и наименование цикла Баха. Веркмейстер употреблял 4 разновидности «хороших темпераций» с чистыми терциями.

Свое сочинение Бах писал в первую очередь для современников, которые пользовались только доступными им инструментами: клавикордом, органом и клавесином. Как известно, фортепиано еще было достаточно несовершенным на тот момент. Основная загадка заключается в том, слышал ли композитор свои произведения также, как слышим их сейчас мы? Дело в том, что на клавесине звук извлекается щипком и легато на нем сыграть невозможно, а на клавикорде нереально было менять силу звука. Получается, что Бах мог предвидеть то, какой будет музыка через сотни лет и как будет звучать «ХТК» в исполнении на столь непривычном фортепиано, которое вскоре вытеснило полностью своих предшественников. Нельзя упустить из внимания и тот факт, что Бах очень широко использовал семантику тональностей. Прелюдии и фуги насыщены скрытыми образами и символами, что также представляет собой еще одну загадку.

Неоценимо влияние «Хорошо темперированного клавира» на композиторов всех последующих поколений. Для многих великих композиторов произведение Баха стало настольной книгой, именно по этому сборнику они изучали основы композиции, контрапункта. Подобную затею (использовать весь спектр тональностей в пределах цикла) пытались воплотить и другие музыканты. Например, Ф. Шопен сочинил 24 прелюдии и два опуса этюдов. Д. Шостаковичу, П. Хиндемиту и Р. Щедрину принадлежат циклы из прелюдий и фуг.

Интересные факты

Существует любопытная версия о том, что первую часть «ХТК» Бах сочинил в кратчайшие сроки, так как находился временно без инструмента и не знал, чем себя занять.

Интересно, что ранее другими композиторами были предприняты попытки написать нечто подобное. Речь идет об органисте Иоганне Фишере, который сочинил и опубликовал сборник, состоящий из 10 прелюдий и фуг, написанных в 10 мажорных и 9 минорных тональностях, также одна из них принадлежала к фригийскому ладу. Бах даже позаимствовал из этого сборника тему для своей фуги E-dur II.

Фортепиано было изобретено еще при жизни Баха, но композитор не оценил его, посчитав инструмент несовершенным и постоянно критикуя.

Рукописные копии «Хорошо темперированного клавира» быстро распространились среди музыкантов того времени и обрели настоящую популярность во второй половине 18 века. В типографии ноты были напечатаны в 1801 году.

Темперация – это своеобразная революция в мире музыки. Другими словами, темперированный строй объединял клавиши диеза и бемоля в одну, ранее они обозначались иначе. Подобное усовершенствование позволило использовать более расширенный круг тональностей, даже тех, в которых было много знаков и это звучало также благозвучно.

Цикл прелюдий и фуг Бах создал с целью познакомить будущих музыкантов со всеми имеющимися тональностями, доказав, что каждая из них звучит совершенно.

В обеих частях сборника прелюдии и фуги расположены парами, своеобразными мини-циклами, объединенными единой тональностью и звучащими контрастно по отношению друг к другу.

Содержание «ХТК»

Прелюдии и фуги доведены Бахом до высочайшего художественного совершенства. Каждая из пьес индивидуальна и обладает своим неповторимым образом. Примечательно, что в эпоху Баха прелюдии выполняли функции импровизационного вступления, поэтому они не были наделены строгой формой. Композитор разнообразил и расширил возможности этой пьесы. В его цикле встречаются совершенно не похожие друг на друга и сугубо индивидуальные образцы. Так, прелюдию c-moll и Es-dur правильнее было бы отнести к токкате органного типа. Прелюдия As-dur носит яркие черты народного танца, а es-moll наоборот, близка к песенной форме. Многие из них принято сравнивать с инвенциями (a-moll, Cis-dur). Все прелюдии «ХТК» можно разделить на две группы:

импровизационные или свободно развивающиеся

построенные по принципу старинной двухчастной формы

Отдельно стоит упомянуть прелюдию C-dur из первого тома, которая считается своеобразным вступлением ко всему сборнику. Весьма скромными средствами, Баху удалось создать невероятный образ. Мелодическая сфера рассредоточена и завуалирована в аккордах, которые сменяют друг друга непрерывно. Фактура напоминает игру на лютне, что передает слушателям образ ангелов, держащих в руках эти музыкальные инструменты. К тому же подобный выбор фактуры содержит в себе скрытый смысл и представляет собой три уровня: земля-человек-небо.

«ХТК» – это не просто сборник для упражнений, это мощное и величественное собрание прелюдий и фуг. Не зря знаменитый композитор Л.В. Бетховен назвал работу Баха настоящей «музыкальной библией». Множество поколений талантливых музыкантов воспитывались на произведениях гениального органиста. Ни одна музыкальная школа не обходится без прелюдий и фуг из «ХТК» в своих программах. Невозможно полностью описать, насколько велико влияние это труда на последующие поколения музыкантов и на мировую музыкальную культуру в целом.

[Ульф 3,208]

П.И. Чайковский Увертюра «1812 год»

       Имя выдающегося русского композитора Петра Ильича Чайковского хорошо известно не только в нашем отечестве, но и далеко за его пределами. Произведения великого маэстро непременно входят в репертуар всех симфонических оркестров, а оперы и балеты регулярно ставятся на сценах лучших музыкальных театров. Однако среди богатого творческого наследия Петра Ильича есть одно произведение, которое, в мировом рейтинге самых популярных оркестровых сочинений уверенно занимает первое место. Речь идёт о блестящем творении композитора Торжественной увертюре «1812 год». Это не совсем обычное сочинение Чайковского, поскольку по оригинальной задумке композитора оно должно исполняться большим составом симфонического оркестра с увеличенной группой ударных инструментов, колоколами и даже настоящими пушками.

    История создания

     В последней четверти XIX века, когда музыкальное искусство находилось на этапе динамичного развития, в России по аналогии с Западом стало модным к различным государственным праздникам и юбилейным датам заказывать композиторам торжественные произведения.

     В мае 1880 года, Петр Ильич, решивший немного отдохнуть от композиторского труда и на время обосновавшийся в Каменке – имении своей сестры Александры Ильиничны Давыдовой, получил письмо от Петра Ивановича Юргенсона. В своём послании владелец музыкально-издательской фирмы уведомил композитора, что Николай Григорьевич Рубинштейн, назначенный возглавлять музотдел Всероссийской выставки в следующем 1881 году, выразил желание заказать Петру Ильичу произведение праздничного характера. Предлагалось два варианта: первый - это увертюра, первое исполнение которой должно состояться либо на открытии выставки, либо на празднестве по случаю 25 – летней годовщины восшествия на престол Александра II. Второй вариант – это кантата ко дню освещения, построенного в Москве Храма Христа Спасителя.

     В ответном письме издателю Чайковский откровенно признался, что поступившее предложение ему совершенно не нравиться. Во-первых, маэстро не любил сочинять музыку под заказ, а во-вторых, к правившему в то время императору он относился с большой антипатией, да и архитектура вновь построенного Храма композитора не вдохновляла. Разрешить данную ситуацию помогло лишь личное письменное обращение самого Рубинштейна, просьбе которого Петру Ильичу отказать не хватило духа.

     Тщательно выбирая тему для своего произведения, Пётр Ильич остановился на приближающейся знаменательной дате: 70-ти летие победы России в войне с Наполеоном. Помимо того, важную роль при выборе тематики сыграл факт, что Храм Христа Спасителя тоже был построен в память о героях событий 1812 года.

     Работа над произведением у композитора шла довольно быстро. Возможно, его вдохновляло то, что участники войны с Наполеоном: дворяне Давыдовы и Раевские, состоявшие друг с другом в близком родстве, были обитателями поместья Каменка, где Чайковский работал над своим сочинением. Между тем, может быть потому, что на написание увертюры Петру Ильичу потребовалось совсем немного времени, им овладевали сильные сомнения относительно художественных достоинств его последнего творения. В посланиях своим друзьям он жаловался, что музыка получается очень громкой и шумной.

     Произведение было закончено 7 ноября 1880 года, о чём свидетельствует надпись композитора в конце партитуры. В печать увертюра была отдана лишь в 1882 году, а 8 августа того же года состоялось её премьерное исполнение в рамках Всероссийской промышленно-художественной выставки. Концерт проходил на площади перед Храмом Христа Спасителя, который к тому времени ещё не успели достроить. Слушателей, которыми были десятки тысяч обычных москвичей, поразил увеличенный состав оркестра, пушки, стоявшие по бокам и в ритм музыки выполнявшие триумфальные залпы, а также грандиозный торжествующий колокольный перезвон. Успех превзошёл все ожидания и менее чем через год, 26 мая 1883 года, на том же месте во время освещения храма увертюра была исполнена вновь.

     Интересные факты

     Увертюра «1812 год» была по достоинству оценена правительством Российской Империи. За это произведение П.И. Чайковский был удостоен ордена Святого Владимира I степени.

Пётр Ильич Чайковский при написании увертюры так вдохновился патриотическим настроем, которое он должен был отразить в этом произведении, что ввёл в партитуру партию для настоящих пушек. По этой причине в изначально написанной композитором оркестровке увертюра исполняется очень редко, а артиллерийские залпы заменяются звуками басового барабана или специального инструмента cannone, который имитирует звуки выстрелившей пушки.

    В Советском Союзе Торжественная увертюра Петра Ильича Чайковского была некоторое время под запретом. Поводом для этого послужил гимн царской России «Боже, Царя храни». Лишь в годы Великой Отечественной войны для поддержания патриотического настроя советских людей исполнение произведения было возобновлено вновь. Однако теперь увертюра звучала с изменениями, которые в неё внес композитор Виссарион Шебалин: мелодию гимна, прославляющего царя, он мастерски заменил мотивом хора «Славься» из оперы «Иван Сусанин» М.И. Глинки. Звуки этого произведения морально поддерживали жителей блокадного Ленинграда, а также сопровождали трансляцию фронтовых сводок, которых с нетерпением ждал каждый житель нашей страны.

   Поначалу Чайковский к своему вновь созданному сочинению - увертюре «1812 год» относился весьма недоброжелательно и об этом он неоднократно писал в посланиях друзьям. Однако после триумфальной премьеры, которой дирижировал Ипполит Карлович Альтани, мнение композитора о своём детище стало постепенно меняться. Вскоре увенчавшаяся успехом увертюра была исполнена в Смоленске, Харькове, Тифлисе, Павловске, Одессе, а затем её услышали и жители таких городов Европы, как Прага, Берлин, Брюссель. Видя радушный приём слушателей, Пётр Ильич стал включать это сочинение в программу своих авторских концертов, а вскоре и вовсе стал исполнять его на бис.

   Необходимо отметить тот факт, что Чайковский в увертюре «1812» использовал мелодии тех гимнов России и Франции, какие были на момент написания произведения, а также слушателям они были более известны. Дело в том, что во время войны 1812 года, то есть в период правления Наполеона, гимном Франции была «Походная песня». «Марсельеза» стала государственным символом этой страны лишь 1871 году. Кроме того, после февральских событий 1917 года в России «Марсельеза», как и «Интернационал» воспринималась как революционный гимн. Относительно российского гимна «Боже, Царя храни!»: он появился лишь в 1833 году, а до того момента Россию прославляли песней на слова Гавриила Державина «Гром победы, раздавайся!»

   Впервые запись увертюры Чайковского «1812 год» с настоящей артиллерийской канонадой была сделана симфоническим оркестром Миннеаполиса (США) в пятидесятых годах прошлого столетия. Из-за пушечных выстрелов и колокольного звона при воспроизведении увертюры звуковые частоты получились такими низкими, что многие проигрыватели в данных местах не выдерживали: дело доходило до поломки игл звукоснимателя. По этой причине Торжественную увертюру «1812 год» Петра Ильича Чайковского стали применять для проверки качества динамиков в низкочастотных диапазонах.

   Торжественная увертюра «1812 год» довольно часто используется как в кинематографе, так и в анимационном кино. Например, эту музыку можно услышать в фантастическом телевизионном сериале   «На краю Вселенной», в боевике «V значит Вендетта», в драме «Общество мёртвых поэтов» и в знаменитом мультсериале «Симпсоны».

   В Соединённых Штатах Америки с 1974 увертюра «1812 год» является частью церемонии национального праздника «День Независимости». Забавно, но на красочный салют в честь знаменательного события своей страны американцы уже несколько десятилетий традиционно любуются под звуки былого российского гимна «Боже, царя храни!» Возможно, помимо жизнеутверждающей музыки их также прельщает название произведения, ведь в истории США 1812 год тоже имеет большое значение. В этот период Штаты воевали с Англией за независимость, и в результате этого противостояния получили суверенитет.

   Во Франции тоже очень любят увертюру «1812 год». Её торжественное звучание постоянно украшает национальные праздники в этой стране. Складывается мнение, что французам совершенно всё равно, что послужило поводом для сочинения этого произведения.

   Содержание

   Приступая к сочинению увертюры, Пётр Ильич понимал, что это должно быть впечатляющее произведение, которое бы ярко отражало величие русского народа, его героизм, проявленный в борьбе против французских захватчиков. Поэтому маэстро в увертюре весьма изобретательно подошёл к построению драматургии, а помимо того добавил в музыку такие звуковые эффекты как колокольный звон и салютные залпы из настоящих пушек.

   Увертюру (тональность Es-dur), написанную в форме сонатного аллегро, открывает развёрнутое вступление, которое включает в себя три разнохарактерные темы. Музыка начинается с мрачного хорала, основанного на церковной молитве о сохранении отечества: «Спаси, Господи, люди твоя».  Вторая тема вступления - это взволнованный мотив, звучащий в исполнении гобоя, но затем как эстафета передаваемый от одного инструмента к другому. Интенсивно развиваясь, он образно рисует картину нарастающей тревоги. Третья тема представляет собой призывные звуки фанфар на фоне мелодичной темы скрипичной группы.

   Главная тема экспозиции, отличающаяся безудержным интенсивным движением, изображает панораму смертельной схватки.  Постоянное нарастание напряжённости приводит к появлению новой темы. Это знаменитая французская революционная песня «Марсельеза», однако здесь она представлена в искажённом звучании, рисующем злой образ вражеского захватчика.

  Портрет России и её героических защитников Чайковский колоритно изобразил в побочной партии, использовав для этого два разнохарактерных мотива. Первый – напевный, с красивой мелодией в фольклорном стиле. Его исполнение для особой выразительности Пётр Ильич доверил скрипичной группе. Другой, но уже истинно народный мотив, пользующийся большой популярностью на Руси: «Ай, Дунай, мой Дунай» представлен композитором в октавном звучании флейты и английского рожка. Все ранее звучащие темы получают динамичное развитие в небольшой по размеру разработке, а затем и в последующей за ней репризе.

   Переломный момент в драматургии произведения наступает в торжественной коде. Неистовое звучание «Марсельезы» в обрамлении стремительных пассажей скрипок и характеризующее временный успех французов, сменяется величественным звучанием темы молитвы, звучащей в самом начале произведения. Здесь она представлена как символ победы русской армии. Затем триумфально-торжественно на фортиссимо под звон колоколов вступает фанфарная тема вступления. Завершает композицию исполненный величия государственный гимн монаршей России: «Боже, царя храни».

   Увертюра Петра Ильича Чайковского «1812 год» - это произведение, музыка которого ярко отражает идею государственной могущественности, а также наивысший подъём патриотизма, являющийся весьма актуальным и в нынешнее время. Человеку нравиться чувствовать себя победителем и испытывать удовольствие от звуков победы, а выдающееся произведение великого композитора даёт ему эту возможность.

[Ульф 3,208]

ACCEPT- Swan Lake Лебединое озеро (Чайковский П) Кемерово_2019